miércoles, 26 de abril de 2017

Recomendaciones breves 3ra parte

A puro death metal llega esta tercera entrega de las breves recomendaciones, un género que siempre está entre mis favoritos, sea el año que sea, siempre surgen discos de death que valen mucho la pena; en lo que va de este año, es uno de los géneros que en definitiva más estoy escuchando, gracias discos como los 5 que presento aquí para compartir con todos ustedes y que quedan completamente recomendados.

Ensnared – Dysangelium (2017)


Banda sueca que poco a poco, estoy seguro, irá haciéndose un espacio entre estas bandas de la nueva ola escandinava que tienen la idea fija de dejar huella profunda en el universo metalero. Con miembros de la banda de heavy metal tradicional llamada Trial, y que luego de un demo y un EP, este cuarteto debuta con fuerza en este “Dysangelium”. 6 canciones de death metal crudo y 5 interludios que permiten a la banda experimentar un poco. Un álbum que requiere paciencia pero que al final retribuye. Sale a la venta el 5 de mayo.


Artificial Brain – Infrared Horizon (2017)


Banda gringa de death metal técnico que ya en su debut “Labyrinth Constellation” del 2014 levantaría un hype tremendo y convencería a cuasi todos que es una buena banda, y no por nada: mientras el vocal entrega sus voces guturales cavernosas y brutales sin tregua, los otros 4 músicos conceden toda su sapiencia en sus instrumentos de manera sorprendente; logrando así, una unión que si bien otras bandas también la hacen, creo que hoy en día son muy pocos los grupos que realmente aciertan como los Artificial Brain… Con este “Infrared Horizon” la banda nos convence que son una gran banda y que merecen toda la atención dispensada. Un seguro top en varias listas de fin de año.


Ingurgitating Oblivion – Vision Wallows in Symphonies of Light (2017)


A partir del review que leí de este disco en la página de los Yourlastrites (y que recomiendo se lea igual), realmente dije tengo que escucharlo… y me sorprendió… Es un disco de solo cuatro canciones, de larga duración obviamente, pero que demuestran la tremenda capacidad de estos músicos alemanes para componer y ejecutar la complejísima música que desarrollan. Utilizando a Gorguts y Ulcerate, solo como parámetros, este disco definitivamente dará de qué hablar a la largo del año.


Vampire – With Primeval Force (2017)


Vampire es otra banda de esta ‘nueva’ generación escandinava que vengo siguiendo desde sus inicios con el gran debut homónimo del 2014, el preciso EP titulado “Cimmerian Shade” del 2015, y finalmente este “With Primeval Force” de este año, que en definitiva es su mejor trabajo, se posesionan en los radares firmemente con esa mezcla de death sueco de la vieja escuela, melodías y duetos de guitarra meidenescos y thrash alemán igual de la vieja escuela. Realmente un discazo.


Firespawn – The Reprobate (2017)


El segundo disco de esta superbanda sueca conformada por Alex Friberg (Necrophobic, ex-Trident) en el bajo; Matte Modin (Skineater, The Hidden, ex-Defleshed, ex-Dark Funeral, ex-Nonexist, ex-Infernal), en la batería; Victor Brandt (Dominion, Entombed A.D., ex-Aeon, ex-Entombed) en las guitarras; Fredrik Folkare (Necrophobic, Unleashed, ex-Scudiero, ex-Siebenbürgen) en las otras guitarras; y finalmente el gran L-G Petrov (Entombed A.D., ex-Morbid, ex-Nihilist, ex-Allegiance, ex-Entombed, ex-Comecon) en las voces. Debo decir de entrada que me gustó mucho más que su debut “Shadow Realms” del 2015, e inclusive más que los trabajos de los Entombed A.D. Lo encuentro mucho más sólido, completo, mejor armado y compuesto. Cada una de las 10 canciones, son una prueba real del poder de estos cinco experimentados músicos. Un acierto .al igual que la tremenda portada de Paolo Girardi, responsable de oscurísimas portadas de bandas como Black Breath, Power Trip, Chthe'ilist, Manilla Road, etc., que sale a la venta este viernes.




viernes, 21 de abril de 2017

Deep Purple – InFinite (2017)


Es muy inusual que una banda legendaria supere o siquiera se acerque al éxito de antaño; y sin bien la reunión, del line-up clásico de Deep Purple, fue recibida con mucho entusiasmo, rápidamente encallaron. Para el grupo fue muy difícil darle continuidad al Perfect Strangers, los problemas seguían ahí; las rencillas entre Gillan y Blackmore, las quejas del guitarrista y el poco profesionalismo del vocalista. Siendo sinceros, Gillan era un desastre en vivo; su voz se degradó considerablemente y él nunca quiso admitirlo, forzando su voz, hasta convertirse en una caricatura de sí mismo. A finales de los ochentas, Deep Purple era una banda que sonaba mal, no encajaba en la escena y la decisión más prudente era ponerle un punto final. The House of the Blue Light fue un desastre crítico y comercial, en la gira la relación entre Blackmore y Gillan llegó a un punto muerto, una vez más. La primera vez, el vocalista renunció, esta vez fue despedido. 

Reproducir la fórmula Rainbow tampoco fue una solución y la banda nunca se sintió muy cómoda con Joe Lynn Turner frente al micrófono; cabe señalar, que Turner era un desastre en vivo también, cantando incluso peor que Gillan. No tenía la presencia escénica ni el carisma para liderar a la banda. Sigo pensando que Purple podía funcionar con otro vocalista; Blackmore se inclina por Turner porque también es un compositor y ayuda a cimentar el sonido de la etapa más comercial de Rainbow; era obediente y un buen aliado, pero no funcionó. EMI también hizo mucha presión para que Gillan vuelva en miras al 25 aniversario de la banda. Le siguió un disco bastante pesado, aunque intrascendente y una gira suspendida porque Blackmore decidió abandonar el barco. La banda estuvo a punto de colapsar, otra vez; y como no podían darse el lujo de perder tanto dinero, otro guitarrista asumió gustoso la tarea y terminaron la gira. El poco conocido, pero fundamental Mk VI, con Joe Satriani, rejuveneció el sonido y se dieron cuenta que podían continuar sin Blackmore. 

Satriani por razones contractuales no pudo convertirse en miembro oficial de Deep Purple, pero recomendó a un guitarrista. Recuerdo con nitidez la primera vez que escuché el Purpendicular; era otra banda, pero sonaba muy bien. Sin embargo, lo que me hizo recuperar la fe en el grupo fue el en vivo que sacaron poco después: Live at the Olympia' 96. Era una banda totalmente renovada; en su momento Bolin no pudo llenar el vacío, titubeaba y el público no se lo perdonó. Morse, desde un inicio toca con mucha confianza, apropiándose canciones olvidadas. Es un guitarrista fenomenal y a nivel instrumental la banda nunca sonó tan bien, rivalizando de cerca con los años de gloria. Desde entonces, nunca bajaron el ritmo y han sacado muy buenos discos. El Bananas, el primer disco sin Jon Lord, fue una sorpresa; laudado de manera casi universal por la crítica. Hasta la voz de Gillan brilla; era un disco que tenía todas las de perder y realzó el interés por la banda que nuevamente salía en las portadas de las revistas especializadas. El Rapture of the Deep, tiene momentos alucinantes y Don Airey hace un trabajo impecable. 

En vivo el MkVIII no tiene la misma fuerza, al buen Don Airey le falta la furia y el sonido devastador de Lord. No obstante, fue una gran adición a la banda. Es un gran compositor y tiene un rango musical muy diverso. Inaugura la etapa más creativa del grupo, desde los años 70. Ya son cuatro discos en estudio, cinco en vivos y 15 años en la carretera; pocas bandas de ese entonces pueden jactarse de lo mismo. El Now What ?! rebasó por completo todas las expectativas, al ser un éxito crítico y comercial, el primer disco en alcanzar el top 20 UK desde 1988. Hasta la banda quedó atónita. El disco es genial, con una producción impecable, metódico y riguroso en la ejecución, porque hay química en la banda; los cinco participan del proceso creativo que se nutre de la contribución permanente de sus miembros. Cuando Deep Purple se reformó, Blackmore fue muy claro, el control creativo lo tenía él y Glover, Gillan escribía las letras. Cuando llega Morse, la banda recupera parte de su identidad, pues las canciones se van construyendo en los ensayos, en las largas horas de improvisación; es un grupo que disfruta de esos momentos, obrando al unísono. Y el Now What ?! goza también del impulso creativo de Bob Erzin, siendo coautor de todas las canciones.
  
Las personas que esperan toparse con el sonido clásico de la banda se llevarán una sorpresa, esto es otra cosa, va por el camino que inaugura el Purpendicular. Era necesario matar a la bestia mítica para generar una unidad cohesiva. El InFinite encaja muy bien en esa línea. Es un grupo que no duda en tomar riesgos, aunque su base musical sigue siendo el blues. Con la ayuda de Bob Erzin, Deep Purple publica, tal vez, el disco más sólido de la era Morse; uno de los pocos que puede ser escuchado de principio a fin, en el vasto catálogo de la banda. El título del disco, anuncia dos cosas: el legado púrpura es infinito y al mismo tiempo este puede ser el último disco. La edad avanzada y los problemas de salud, ya son una carga demasiado evidente. En vivo lo dieron todo, estos últimos veinte años; podrían retirarse dignamente. Claro, me gustaría que saquen un par de discos más, pero la banda no puede ir más lejos. Tal como lo anunció Paice, es la gira de despida y se puede extender por un par de años. Y es una excelente manera de cerrar una carrera prestigiosa; es un momento de celebración, para conmemorar todas las etapas de la banda, para honrar la memoria de Tommy Bolin y de Jon Lord; y escuchar con el mismo entusiasmo toda su discografía. 

Time for Bedlam, comienza de una manera muy rara; por el tono parece un canto gregoriano robótico. Pero es una canción excelente, muy Purple, con ese balance entre los teclados y la guitarra, con Paice golpeando con la misma fuerza y con eso toques neoclásicos, emulando los mejores años de la banda. Sigo pensando que el eslabón débil es Gillan, me cuesta soportar su timbre vocal; en el disco hace un gran trabajo y escribe muy buenas letras. En vivo, tiene que aceptar de una buena vez que ya no llega a los tonos agudos. 

Hip Boots, es rock and roll contemporáneo y Gillan canta muy bien, también tiene reminiscencias del sonido clásico. Los teclados resaltan, aunque en vivo no tienen esa presencia, tienen un sonido más opaco. Pero es realmente impresionante como Airey pudo llenar el vacío, dejando una marca muy personal. Hubo un tiempo en el cual era imposible imaginar a un Purple sin Blackmore ni Lord; y aquí estamos, con otro tecladista que encajó perfectamente en el sonido de la banda. Airey reclamó el lugar que le correspondía. 


All I Got is You, fue el segundo single con sus toques jazz y blues, muestra bien todo el potencial de Mk VIII; tiene una progresión muy típica de la era Morse, mezclando diferentes estilos y secciones, similar en estructura a Watching the Sky, Sometimes I Feel Like Screaming, Sun Goes Down o Rapture of the Deep; esta formación tiene un sonido y una forma de componer muy característicos. 

One Night in Vegas, retoma muchos temas comunes en la narrativa Gillan, es música de fondo en un bar; una noche loca como las que todos tenemos de cuando en cuando. El alcohol es un viejo consejero y en el caso de Gillan un compañero constante. Aunque se ha ido calmando con los años, el vocalista sigue arrastrando su reputación de borracho. La canción tiene elementos blues y un sonido al estilo de Tom Jones o Tony Bennett o Joe Cocker, espectáculos usuales en Las Vegas, aunque más pesado e innegablemente púrpura. Es muy difícil establecer cuál es la característica del sonido de la banda, los discos son muy diferentes entre sí, aunque tienen componentes similares: la batalla constante entre los teclados y la guitarra. 

Get me Outta Here, creo que es uno de los discos más blues de todo el repertorio y eso le da una cohesión interna muy interesante, algo que no tiene los otros discos, más eclécticos y dispersos; creo que ahí está la mano de Erzin, siempre tan riguroso y exigente, estructurando las ideas y dándole cuerpo a las canciones. Y éstas se encadenan muy bien, dando una agradable impresión de armonía
The Surprising, uno de los aspectos más relevantes del disco son las letras, Gillan está en muy buena forma y canta muy bien cuando respeta los límites de su rango vocal. Dejando a un lado las rimas fáciles y el humor salaz, Gillan narra historias, le da vida a los personajes; me gusta mucho en tono que utiliza en esta canción, más acorde a su edad. Otro aspecto que destaca es la formación clásica de Airey, por eso calza bien en los zapatos de Jon Lord; los dos primeros disco de la era Morse ponen a los teclados en un segundo plano, es una herencia de las imposiciones Blackmore. Desde el Bananas, resaltan y dominan el sonido. 


Johnny’s Band, aquí Purple regresa a ese su sonido comercial que me incomoda un poco, extrañamente no fue lanzado como single, aunque es una canción que está sonando en las radios europeas. Creo que es la más débil del disco, sin restarle ningún mérito. 

On the Top of the World, de regreso al sonido blues pesado, retomando ejes de la narrativa Gillan: las noches, las chicas, el alcohol y de por medio el vacío que deja todo eso. Lo único que no me gusta de esta canción es el fade-out justo cuando estaban desarrollando una interesante sección instrumental, y es una verdadera pena, se corta bruscamente, la canción fue inútilmente mutilada. 

Birds of Pray, el efecto vocal hace eco con Time for Bedlam y abordan temas similares, cerrando muy bien el disco. Pese a los pequeños defectos, es un disco grandioso, con ese solo final que queda para la eternidad; el infinito púrpura, colosal y soberbio. Solo puedo sentirme agradecido por todo lo que han hecho, por todos los recuerdos.

Roadhouse Blues, es más un encore aunque encaja bien en el sonido del disco. Estaba muy escéptico por el resultado; y una vez más los Purple me cerraron la boca. Si Gillan cantara así todo el tiempo, sería genial. De regreso al principio, una banda ensayando en un garaje, tocando sus canciones favoritas. Con todo, es muy triste admitir que esto termina aquí, 50 años de música. “The future's uncertain/ And the end is always near. / Let it roll, baby, roll…”



miércoles, 5 de abril de 2017

Los Fabulosos Cadillacs – Fabulosos Calavera (1997)



En su momento, Fabulosos Calavera fue casi un suicidio comercial; el inesperado éxito de Matador, una canción de relleno para condimentar una compilación de grandes éxitos, convirtió a los Cadillacs en un fenómeno de masas. Banda de rock, de fusión, pero ante todo de ska, es uno de los grupos emblemáticos de la escena noventera en Latinoamérica. Sin duda, El León (1992), marca un viraje e inicia una etapa de madurez musical. Más versátil; aunque profundamente arraigada a los ritmos latinos; Rey Azúcar (1995), tiene elementos más pesados y anuncia un cambio de dirección, pero nadie podía anticipar el impacto que provocó Fabulosos Calavera, es la culminación del desarrollo musical de los Cadillacs y a veinte años de su publicación, considero que es el mejor disco de la banda; aunque sigue dividiendo a los fans, pues se aleja demasiado del sonido fiestero y radiofónico de los primeros discos.  De hecho, si el fue laudado por la crítica, fue vapuleado por los fans que esperaban algo un poco más convencional, algo parecido a Matador o Mal Bicho, ritmos bailables con conciencia social, ideal para congregar. 

Fabulosos Calavera sorprende por su arrogante manera de combinar sonidos y estilos; de inicio, se percibe un ambiente más pesado y sombrío. El Muerto es de por sí una ruptura, es más crudo y rompe con el sonido habitual de los Cadillacs. A ratos se pone inusualmente agresivo. Es bastante complicado tratar de describir las canciones, pues unen demasiadas cosas, secciones muy suaves y otras bastante violentas. Surfer Calavera, sigue con ese estilo y mantiene la temática de la muerte, con un narrador espectral de fondo que le da un toque tétrico. El Carnicero de Giles/Sueño, alterna de manera indiscriminada dos canciones, Sueño, más cerca del jazz, con un toque bastante oscuro, con el Carnicero que es pura brutalidad metalera. Es claro por qué algunos fans se sintieron desconcertados y defraudados. Los Cadillacs, coquetearon con el rock, pero nunca de manera tan directa y enajenada. Sabato es una canción a la cual le tengo mucho cariño, nuevamente se destaca esa mezcolanza de estilos, la canción tiene un riff muy interesante que le da mucho cuerpo. Sobre héroes y tumbas es un libro que me fascina, una de las lecturas más densas que tuve mientras era adolescente y cambió mi manera de pensar, mi aproximación hacia la literatura y mi manera de escribir. La canción le rinde tributo y condensa bien el legado siniestro del autor.

Howen marca un giro en el disco; desconozco los aspectos técnicos, pero suena a una canción de marineros y abre una nueva temática: la nostalgia. Después de todo es una canción muy triste. Las que siguen retoman esa idea, la ruptura, algo irremediablemente derruido, devastado, dividiendo así al disco en tres secciones claramente diferenciadas. A Amigo J.V, lidia con la niñez perdida y el consuelo de la muerte; es una de las canciones más jazzeras que tienen los Cadillacs y mantiene esa atmósfera triste, es casi una marcha fúnebre. Hoy lloré canción, grabada con la colaboración del legendario Rubén Blades, al cual los Cadillacs le rindieron tributo en varias ocasiones, la versión de Desapariciones del En Vivo en Buenos Aires (1994) me parece grandiosa, es una cumbia triste muy dura. No sé mucho de géneros latinos, pero me parece que Hoy lloré está más ligada al Son Cubano, con una clara preeminencia de la percusión que le da un toque denso. La música es una forma de expiar las penas; la gente va y viene, el recuerdo del ayer se torna difuso, pero la música es lo único que prevalece, es lo que nos une, le da sentido a nuestras vidas, nos ayuda a enfrentar el dolor. No todo es Metal en la vida, buena música la encontramos en todo lado y creo que encerrarse en un estilo y en un género es muy reductor; la vida es demasiada corta como para caer en esencialismos y en triviales disputas dogmáticas. La canción que cierra esta sección es Calaveras y Diablitos y fue el hit del disco, pese a ser una suerte reggae lento con un mensaje no tan positivo. 

Il Pajarito abre la última sección del disco: la tormenta, y es demencial. Son las mejores canciones, no solo del disco, es lo mejor que han hecho los Cadillacs. La canción es la fuerza bruta de un temporal y la voz de Vicentico trasmite bien el dolor; con esto la banda rompe con todo su legado, escupe sobre el rostro impávido de sus fans y creo que, por eso mismo, deberían ser recordados por este disco. El más eléctrico de todos los álbumes del grupo. Niño Diamante, sigue con la misma idea, la temática marina y la tempestad; son las canciones más delirantes que tiene la banda junto con Piazzolla que es pura demencia. Es un Cadillacs como nunca antes hemos escuchando y nunca más lo volverían a hacer; La Marcha del Golazo Solitario (1999) retoma muchos aspectos del sonido clásico, al igual que La Salvación de Solo y Juan (2016). Por eso este disco es una agradable anomalía, rara vez interpretado en vivo, porque son canciones bastante complicadas y poco accesibles, es realmente la joya perdida de un grupo que puede hacer mucho más que canciones bailables y éxitos pasajeros. Amnesia es una de las canciones en las cuales realmente destaca la voz de Vicentico, es pura pasión. Un gran vocalista no necesita tener una voz pulcra e inmaculada, tiene que cantar con convicción, entrega emociones; es desgarrador y profundo, ese timbre vocal. A.D.R.B. (En Busca Eterna), no tengo idea de lo que significa, pero es un tango eléctrico que cierra el disco más interesante de los Cadillacs, por la crudeza de sus letras y por lo vanguardista que es. 

Yo creo que toda banda debería documentar sus giras; no todos tenemos la posibilidad de asistir a los conciertos; y solo en el escenario la banda revela su verdadero rostro. Fabulosos Calavera no tuvo una gira como tal, pero si hubo una serie de conciertos bajo el rótulo de Calavera Experimental Concherto, que son presentaciones excepcionales; la banda en el pináculo de su creatividad. Existen bootlegs de ello, creo que es la etapa más interesante del grupo y debería existir un documento oficial que dé testimonio.  



lunes, 3 de abril de 2017

Gevurah – Hallelujah! (2016)


Profound Lore Records (Cobalt, Evoken, Grayceon, Leviathan, Mitochondrion, Portal, Artificial Brain, Pallbearer, etc) publicó este disco el año pasado, es el estreno en formato larga-duración de Gevurah y se constituye en un trabajo que francamente me dejó impresionado. La agrupación está compuesta por un dueto de canadienses que se muestran muy competentes a la hora de esgrimir un discurso cargado de negatividad. Profesionales -como parecen- se tomaron tres años después de su primer EP para publicar este nuevo manifiesto, una observación de corrupción espiritual, cargándolo de un sabor profundamente pesado.

Empiezan con "The Fire Dwelling Within" que es como una afiebrada pesadilla; luego se disparan en un consciente dinamismo con "Cosmic Putrefaction". De igual manera, con canciones como "Temple Without Form" muestran que ejecutan bien el tipo de disonancia desarrollada últimamente por bandas como Deathspell Omega o Ulcerate, ese tipo de riffs modernos. Aún así, considerando que se trata de un sonido muy extremo, me parece que su estilo de tocar llega a ser natural, relativamente suelto y versátil.

Otro aspecto importante es que apoyándose en texturas acertadas que a momentos llegan a trastornar la conciencia, le dan mucho cuerpo a la producción. Son varias capas de sonido, una base de black metal disonante y lentas -hasta melódicas- transiciones. Siete cortes que conforman este oscuro enunciado cuya conclusión extática se plasma en una última canción que dura más de diecinueve minutos y a la cual no le sobra ni uno, "Hallelujah!". Al final dejan claro que no están jugando, poseen un alto nivel de compromiso artístico implementándolo en diferentes aspectos del álbum.

Bandas como Aosoth y Thantifaxath comparten características con Gevurah. De igual manera se podría decir que este disco comparte elementos del satanismo filosófico y la profundidad de un disco como el Triangle de Schammasch, pero en una versión depravada y escabrosa.

Se trata prácticamente de una experiencia de terror, por parte de una banda que tiene los pies en la tierra y que termina siendo muy verosímil al momento de transmitir experiencias espirituales, banda a la cual habrá que hacer seguimiento porque lo más probable es que tenga un gran impacto en el universo del metal extremo.


sábado, 1 de abril de 2017

Dreaming Dead - Funeral Twilight


Siempre he sostenido que las mejores bandas de death metal, son las que más arraigado tienen sus orígenes en el thrash metal. Por otra parte, también creo que por la estructura misma y por el género en sí, el death metal, ha caído en una espiral de repeticiones, hoy en día se trata de quien es más violento, más brutal y además la más visceral, cuanta más sangre salpique mejor. La originalidad ya no importa, y dentro de ello, es que el death metal ha entrado en un estado de somnolencia que viene desde hace años.

Si bien, son contadas las bandas que de año en cuando aparecen y sacuden a la escena metalera mundial, la mayoría de las bandas han caído en el copy-paste. El futuro del death metal no es muy alentador. A nivel mundial debe haber miles y miles de bandas, todas haciendo exactamente lo mismo y bajo los mismos cánones y preceptos. Bueno, es death metal, mas no podemos esperar. En general, el death metal gringo sigue fiel a su escuela y al death europeo y escandinavo le cuesta salir de su molde; no les gusta perder la identidad que los emparenta con sus orígenes en Estocolmo. Los holandeses y alemanes, siguen tratando de mantenerse vigentes, y los ingleses, pareciera que perdieron la fe en el death metal  y que se conforman con el legado de Carcass.

Es cierto también, que hay bandas que salen de estos moldes y proponen un death metal más novedoso, por ejemplo Tribulation o Venenum que nos obnubilan con un enfoque completamente diferente. Tampoco podemos pasar por alto, que últimamente, y principalmente en Europa, ha surgido una nueva corriente, que está llevado al death metal por parajes más densos y oscuros, en esta medida es justo mencionar a Blood Incantation, Kosmokrator, Qrixkuor o Lantern, pero ese ya es otro tema de discusión.

Otro de los fenómenos que cada vez es más común de ver y escuchar, es la proliferación de cada vez mayor, de vocalistas del género femenino; y no solo en el death metal, sino a nivel general. En nuestro caso, indiscutiblemente debemos mencionar a la Angela Gossow, la gran pionera, una referencia obligatoria y estoy seguro, una gran influencia para toda una nueva generación de vocalistas. Más allá de eso, también debemos mencionar que muchas de estas vocalistas, están más pendientes de su producción estética y visual, que de su performance como vocalistas.

En fin, todas estas ideas, me llevan a concentrarme en un punto específico: Dreaming Dead. A estas alturas del año, y después de haberlo digerido y disfrutado, realmente puedo decir que este debe ser fácilmente uno de los mejores discos de death metal que he escuchado en mucho tiempo. En este tipo de death metal, y salvando las diferencias, el último disco que me pego duro y me hizo alucinar de esta manera, fue el Omnivium de Obscura, y nótese que ya son buenos años.

Después de una primera escuchada, puede ser que este disco los deje con una impresión a medias, como que no termina de convencer, pero después de escucharlo una y otra vez, se darán cuenta de que este es efectivamente un disco alucinante. Fiel a la escuela gringa, es inevitable no encontrarle una influencia clarísima de Death, especialmente en la voz, pero también en las progresiones. Es un disco que técnicamente nos puede introducir sin mayores dificultades, en la misma vibración del Human o del Individual.  
     
Ahora, también por momentos podemos encontrar destellos que nos pueden recordar a Morbid Angel, pero también a Hypocrisy. En suma, todos estos elementos hacen de este disco algo diferente, es una maravilla, que les puedo decir. Este es un disco intenso, además durísimo, pero también es extremadamente técnico y melódico. Los solos son una cosa increíble, muchos de ellos te elevan y te dejan allí arriba, esto no es poca cosa.

Elizabeth Schall la principal compositora y el alma de la banda, es una guitarrista excepcional y una vocalista de primera. La melodía es algo innato en ella, y ese es el hilo conductor del disco. No por nada, sus primeras apariciones fueron como guitarrista de la banda tributo The Iron Maidens, bajo el pseudónimo de Adrianne Smith. Sin embargo, en esta su banda, es en la que se desarrolló y en la que se desenvuelve plenamente. Aquí no hay poses, no hay intensiones de ser la diva del espectáculo. Esto es death metal.

Que más les puedo decir, realmente un excelente disco. Y lo que más destaco de él, es un trabajo que más allá de estar encasillado en un género, suena a algo completamente distinto y sobre todo fresco; muy diferente a la inmensa mayoría de bandas de este estilo que nos presentan un poco más de lo mismo. Este es el tipo de death metal del que todavía disfruto, uno de esos discos que todavía nos conecta con la esencia pura del death metal clásico. Un disco que ya se ganó un sitio entre lo mejor del año.  



lunes, 27 de marzo de 2017

Recomendaciones breves II

Para la segunda entrega de las recomendaciones breves, tengo acá 4 discos que han estado ocupando mi atención en las últimas semanas.

Locust Leaves – A Subtler Kind of Light (2017)


Este dúo proveniente de Grecia ha logrado elaborar, con la mezcla de diversos géneros, un disco sólido; en las 4 canciones largas que componen este trabajo, hay suficiente material para que se lo catalogue como un disco progresivo, a la vez bizarro y divertido… Mención para el guiño a Guayasamin en la fabulosa portada del disco.


Lantern – II: Morphosis (2017)


Los fineses de Lantern vuelven con su segundo disco, que luego del excelente “Below” del 2013, este death metal salpicado en partes precisas con pequeñas sombras de black, se cohesiona densamente a lo largo del disco, presentando una concreta idea bien pensada y muy bien interpretada. Otra perspectiva de esas bandas de la nueva ola escandinava de death metal, que está armando algo importante. Otra mención para el detalle de la portada.


The Swan Thief – II (2017)


Post rock, shoegaze, ambient, metal, Anathema son algunos géneros y banda que se me vienen a la cabeza cuando intento controlar la situación encasillando la música de esta banda; por suerte, esta insulsa tarea se me olvida gracias a la maravilla de canciones que componen este disco. Moon or Man es ejemplo concreto de ello, de que lo que importa es la música y cómo esta conecta con nosotros, sencillo.


Evocation – The Shadow Archtype (2017)


Banda sueca, que ya cuenta con 4 anteriores discos en su haber y que si bien sus inicios estaban mucho más marcados por el death metal de la vieja escuela siguiendo como muchas otras bandas los sonidos de Entombed, Dismember, Grave, etc.; para este su nuevo disco, lo melódico ha cobrado mayor relevancia y debo decir que les va mejor. Esta vez, las semejanzas suenan más a bandas como Witchery, Amon Amarth, Dark Tranquillity y The Haunted, sin dejar totalmente el groove posterior de Entombed y reflejado especialmente en las guitarras. Definitivamente les viene mucho mejor.




jueves, 23 de marzo de 2017

Planning For Burial - Below the house (2017)


Este es el tipo de discos de los que disfruto. No se cómo explicarlo, pero este es uno de esos discos que te hace transitar por diferentes niveles del ánimo. Posiblemente, este sea uno de los discos más tristes que he escuchado en lo que va del año. Sientes la tristeza que gotea, que se va diluyendo, que se va evaporando… que se va transformando.

En el fondo, este es un disco frio, pero cristalino. En alguna entrevista leía que este disco era la “depresión hecha arte”. Puede ser cierto, pero creo que en todo caso la depresión te lleva por otros caminos. Para mí, esto es algo diferente, es como la representación de una melancolía abrumadora, arrasadora por momentos, pero en el fondo hay brillo, hay libertad, hay esperanza y hay luz.

Lo maravilloso de este disco, es como es capaz de transmitirte todas estas emociones y sensaciones, el todo y la nada a la vez. Este es uno de esos discos que son tan introspectivos, que en cierta manera llegan a ser hasta espirituales; y en cierto sentido hasta catárticos.

Musicalmente hablando, este disco es muy variado, pero tiene una constante: Es lento y pesado. Radicado en Wilkes-Barre, Pennsylvania, Thom Wasluck la mente detrás de este proyecto, nos conduce a través de un espectro amplio de sonidos y melodías. En cierta manera, podríamos decir que el doom es una constante y la base rítmica del disco, pero hay varios elementos diferentes que le dan variedad al disco.

Se aproxima en cierta manera al post metal, pero incursiona también en el drone, el noise, el ambient, el shoegaze, incluso tiene pasajes blackeros. Por momentos nos recuerda a Anathema, a Mammifer, a Jesu o al último trabajo de ColdWorld. Creo que con esto ya tendrán una idea más clara de por dónde va este disco.

En resumen, es un disco que va tomando forma en la medida en que se lo va escuchando y asimilando. Musicalmente es muy interesante de verdad y la carga emotiva tiene también lo suyo. Y creo que el éxito de este disco, el haber logrado un equilibrio perfecto entre estas dos dimensiones, lo artístico y lo emocional.

Desde ya, uno de los discos que estará bien arriba en mi top de este año.


lunes, 20 de marzo de 2017

Tragedias en conciertos (Parte 2)

La multitud en Olavarria, show del Indio Solari 11 de Marzo 2017 (AFP)

Hace poco, el sábado 11 de abril una nueva tragedia sucedería en Argentina, donde se estiman que al menos 300 mil personas seguidoras de Carlos Alberto Solari más conocido como el Indio Solari, líder de la desaparecida banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, se reunieron en una nueva "misa ricotera" como las denominan, para ver a este famoso cantante y realizar "el pogo más grande del mundo". 

Resultado: al menos dos personas muertas, 25 heridas y cientas desaparecidas que poco a poco fueron apareciendo en medio de un caos indescriptible. Basta con imaginarse esa cantidad de gente para tener una idea del mar de personas que hubo. Fuentes señalan que existe una gran responsabilidad de parte de la organización por detrás de todo esto. 

Como antecedentes se tiene que el Indio Solari, de ya casi 70 años y enfermo, realiza pocos conciertos y desde siempre, de ahí todo el ritual de esperar por sus shows. En lugares alejados a la capital o de grandes ciudades, según dicen par obtener más fácilmente los permisos y así poder negociar esos contratos. Al ser lugares pequeños, las autoridades también lo ven como negocio. En este caso Olavarria es una ciudad a 350 km al sureste de la ciudad de Buenos Aires, con 111 mil habitantes (solo en el área metropolitana de Buenos Aires hay alrededor de 13 millones) y tuvo que prepararse para recibir tres veces sus población. El área habilitada para el show era para unas 155 mil personas, la productora dijo que vendería 180 mil entradas, pero se afirma que se vendieron al menos 200 mil.

A esto se suma la falta de control de las entradas, había tanta gente que la seguridad era insuficiente para controlar y por eso nadie sabe exactamente cuanta había, muchos entraron gratis por lo que se presume que las cifras oficiales podrían subir. Se critica mucho que ni la organización ni la ciudad estaban preparadas para esta gran masa, no solo fuera del recinto sino también dentro.

El Indio Solari es y será siempre un referente en la historia del rock argentino, ese es otro tema. Este post es una crítica a la organización de su concierto a la cual el está directamente ligado. Muchos critican que solo se aprovecha de la fama que su anterior banda consiguió y donde la justicia inclusive tiene denuncias por lavado de dinero y evasión impositiva.

En este descontrol, entre familias incluso con niños, drogas, alcohol, en medio de los pogos era fácil perderlo todo y quedar hasta desnudo y ser golpeado. Para luego pasar por la odisea de salir del recinto y perder el bus de vuelta a casa, deambular en los alrededores, con líneas de teléfonos saturadas, sin dinero ni para comer y siendo transportados de vuelta incluso por el estado. Muchos de los vecinos, creyendo en la oportunidad de hacer un poco de dinero, quedaron con deudas por todo lo sobrante porque era imposible en medio del caos vender o competir con una sobreoferta, al final acabaron ayudando a muchos de los visitantes. Si pudo haber acabado mucho peor y es probable que esta haya sido definitivamente la última misa ricotera.

Volvemos a las mismas conclusiones de la primera parte de este post. Una falta de responsabilidad por parte de todos los involucrados, incluido el público que en su desmedido fanatismo no es consciente que puede ser parte de una tragedia.


viernes, 17 de marzo de 2017

Review: Stoned from the Underground XVI


El Stoned from the Underground (SFTU) se ha convertido en uno de mis festivales favoritos y como mencioné en "Los mejores festivales de 2016", en esta segunda visita consecutiva constaté las grandes ventajas de los pequeños festivales. Para aquellos que no leyeron el preview o el review 2015 que escribí, donde además de muchos detalles y anécdotas, menciono ventajas como: no tener que levantarse muy temprano, hacer colas o perderse alguna banda a menos que uno decida hacerlo, es uno de los festivales más relajados que conozco, con el pequeño lago que lo rodea y que no deja de ser una tentación para refrescarse, los precios de la comida y cerveza son bastante accesibles como también la gente que lo visita y organiza.

Dampfmaschine
Quiero mencionar que poco antes de Pascua uno de los organizadores, el conocido Fred, publicó un muy interesante comunicado. Mencionaba que el tiempo invertido en agendar las bandas se estaba convirtiendo en una pesadilla. Fuera de lo acostumbrado en relación a los preparativos del festival como ser nuevas leyes, regulaciones u ordenes de todo tipo, para ellos es importante mantener el precio de las entradas (c/u 75 euros) y su decisión fue no incrementar los costos. Su crítica iba hacia los managers y los agentes de las bandas a quienes al parecer, no les interesa el festival o la escena y solo quieren obtener mayores ganancias. 
 
Suma
Debido a esto las confirmaciones se mantienen hasta el último momento para ver si las bandas consiguen otros shows o demandan un mayor cachet, por lo que la organización no puede seguir con sus planes de promoción sin saber que bandas confirmarán y eso generalmente va para las cabeceras de cartel. Me parece inteligente la decisión de que se ponga un límite a estas actitudes mientras se negocia conseguir las mejores bandas que además valoren el trabajo de la organización y obviamente a los fans que lo visitan para verlos!.

1000 Mods
Bueno este año la diferencia fue llegar en bus, obviamente duró un poco más además de caminar otro tanto pero por suerte el verano no fue tan extremo como el año anterior y la fiesta empieza recién el jueves en la tarde por lo que hay el tiempo necesario para primero acomodarse. Dos bandas alemanas fueron las que iniciaron el festival en la pequeño escenario, el Party Tent, los doomeros de Breit y luego los Church of Mental Enlightment y su estilo retro de los 70s analógico. La fiesta siguió en el escenario principal con los ya conocidos Stoned Jesus de Ucrania, el bajista por motivos de salud no pudo tocar pero la banda tocó de todas formas, ya el año pasado cancelaron su show aquí en el SFTU debido a problemas con las visas.
Dopethrone
Fue muy grato ver a los griegos de 1000 Mods tocar en un evento como este, la primera vez que los vi fue en un evento gratuito de la universidad donde demostraron una intensidad que muy pocas bandas logran en vivo pero aquí lastimosamente tuvieron algunos problemas técnicos. Por cierto, el escenario principal lleva siempre una bandera griega.

Otra banda que esperaba nuevamente ver fue a los canadienses de Dopethrone, el frontman con yeso incluido, no dejó de lado su gran carisma para un show muy intenso, no solo parecía que había "metido la pata" sino que además en el camino hacia el festival la policía los revisó y les quitaron todo el "dope" que llevaban, no dejó de maldecirlos un par de veces. Por cierto, es sabido que en los festivales la gente tiende a consumir drogas no legales y la regulación en Alemania tiene parámetros para controlarlo. En principio es ilegal este consumo, pero dependiendo de las circunstancias y la cantidad, puede llegar a una simple advertencia y multa hasta obviamente la cárcel. La banda que cerró el primer día fueron los holandeses de Peter Pan Speedrock quienes con su enérgico rock'n'roll se despidían de los escenarios con el "Tour de Force" siendo este uno de esos shows. 

Hypnos
El segundo día empezó un poco más temprano que el anterior, en el Main Stage tocaba The Order Of Israfel quienes reemplazaron a Gorilla Monsoon. Luego los suecos de Hypnos con un performance muy visual, por cierto muy fotogénicos y un fantástico rock setentero, se dice que son los próximos Graveyard. Siguieron los españoles de Toundra quienes ya son conocidos en el ámbito de los festivales llevando por todo lado su rock progresivo instrumental y bastante conceptual. Los alemanes de Iron Walrus, son una banda relativamente nueva aunque con integrantes de otras bandas conocidas y un estilo doom sludge a lo Crowbar. El trio sueco, Kamchatka llegó con un pegajoso rock bluesero que transmitió todo ese feeling positivo a la audiencia y donde el bajista cambiaría de instrumento para tocar los teclados con uno de los puntos altos del festival, los Spiritual Beggars, donde la experiencia de sus estrellas heavy metaleras se juntan para desarrollar una poderosa banda stoner. 

Spiritual Beggars
Para cerrar esa noche no podría faltar otro ex-Kyuss, Brant Bjork con quien tuve la oportunidad al día siguiente, de tener una corta charla y aprovechar de que me autografíe una copia del documental "Lo Sound Desert" que cuenta la historia sobre los principios de la escena "desert rock" y como este género nace de la necesidad de unos jóvenes que buscan un escape creativo a su aburrimiento y se convierte luego en algo tan grande, incluso el SFTU forma parte de él. Había un pequeño stand donde se podía comprar el dvd y además la organización realizó una proyección del mismo, el día sábado por la noche en la Party Tent. 


El último día del festival empezaría más temprano, hoy no me perdería ninguna banda, en la carpa pequeña con los austriacos de Pastor, luego los muy divertidos alemanes de Dampfmaschine con un show muy salvaje y como su nombre lo indica, convirtieron el lugar en un verdadero sauna, siguieron sus compatriotas de Heat con una mezcla de rock rock setentero, blues y NWOBHM en el Main Stage.
 
Travelin Jack
Los también alemanes Travelin Jack con un show muy llamativo, esta banda liderada por una mujer y su Flying V no solo tienen una presencia casi teatral sino además una gran energía. Los ingleses de Witchsorrow demostraron que la juventud no es excusa para sonar como si hubieran salido de la ultratumba con un doom durísimo. Los daneses de Causa Sui con un rock psicodélico e inspirado en el Krautrock. Otra banda que me gustó mucho fueron los suecos de Suma, aunque tocaron relativamente temprano la intensidad de su doom/sludge literalmente te transportaba, muy recomendable. Los holandeses de Gomer Pyle son considerados pioneros en la escena stoner y este fue un esperado regreso a los escenarios luego de un par de años en silencio, hace unos meses atrás los había visto en el Freak Valley.

Mother Tongue
Finalmente para cerrar el festival los norteamericanos de Mother Tongue, una banda alternativa que a lo largo de los años no tuvo el reconocimiento que merecía pero que tiene sin dudas una base leal de fans y shows extremadamente intensos que demuestran ese lazo. La multitud quedó tan entusiasta que nadie parecía querer ir a dormir así acabaron en el Party Tent hasta el amanecer. Queda muy claro que la organización trabaja arduamente cada año para ofrecer no solo un gran line up, sino además varias comodidades en el campamento y sus alrededores.

A pesar de todo el trabajo que involucra negociar con las bandas, este año la cartelera está nuevamente de lujo!, por lo que espero con ansias ver bandas como Karma to Burn, All them Witches, Pentagram, Elder o Monolord.

Para ver el álbum completo de fotos aquí






viernes, 10 de marzo de 2017

Naked City – Torture Garden (1989)




No recuerdo muy bien cómo caí con este disco; es una de las grandes virtudes de la era en la cual vivimos, podemos descubrir música variada y muy alejada de lo que solemos escuchar. Hace veinte años, conocía diez bandas y ese era todo mi horizonte musical. Hoy en día tengo la posibilidad de explorar cientos de bandas, y me siento muy agradecido por ello. 

Naked City, banda pionera de la propia vanguardia, es una mezcla caótica de diferentes estilos y géneros combinados con una violencia que la sitúa en el espectro del metal. Fundada en 1988 por el prolijo saxofonista John Zorn, con la idea de explorar los límites de la composición y la improvisación. Torture Garden lleva bien su nombre, pues podría provocar una apoplejía en quien lo escucha. Es simple y llana brutalidad sonora, frenética e inicua; el disco tiene 42 canciones y la más larga dura poco más de un minuto. Jazzcore, mezcla la forma libre del jazz con la fuerza bruta del punk más despiadado y salvaje. Esa manera de mezclar estilos era única en ese momento, nadie tuvo la desfachatez de hacerlo con tal alevosía. Luego se volvería un lugar común. 


Si bien los discos se parecen bastante entre sí, son una experiencia fuera de todo rango musical, lleva a la vanguardia hasta el vértice de lo absurdo de una manera brillante y única. Ese sonido demencial es casi una tortura física. Muchas bandas han reproducido ese enfoque, pero Naked City se sitúa en los orígenes despiadados e inclementes de esa maraña colosal de sonidos y estilos. Es un terreno musical muy escabroso, y no es fácil adentrarse en las profundidades de la locura hecha música; considero que es una experiencia necesaria, de cuando en cuando hay que bajar a las profundidades del infierno, uno regresa más sabio y sereno. 

Recomendado para todas las personas que disfrutan de la violencia psicótica y es un buen punto de entrada a la vasta discografía de Zorn. 



martes, 7 de marzo de 2017

GOLD – Optimist (Max, Invited guest author)

(Ván Records, 24 February 2017) - 39’ 33’’

GOLD are back, and with loving force! I first stumbled across this jewel of a band when they released their debut ‘Interbellum’ in 2012 – back then, I was quick to judge them as yet another female fronted retro band the world didn’t need, and neither had the ‘including ex-members of THE DEVIL’S BLOOD’ boost made them any more interesting to me (although, admittedly, the release has grown on me since, as I know now what to look for in that band). Wrapped and cast aside somewhere in the dustier areas of my brain, it took until a year ago (almost to the day) for me to rediscover them, when a friend’s band (FUZZBRIDE – go check them out, their brilliant EP should be out on Bandcamp any day now!) was supporting them at a local show at Hafenklang in Hamburg. So, planning to head there anyway I decided to give their then-latest album ‘No Image’ a spin – and was completely and utterly blown away. 

But this review is about the here and now and not the past, and ‘Optimist’ is just as good (if not better) than ‘No Image’. The key trademarks established on the predecessor are still there – a driving bass and minimalist yet effective drum lines build the foundation on which the manifold layers of distorted, tweaked, tender, whirring, and heavy guitar layers thrive and bloom and entangle with Milena’s ever so distant-yet-intimate vocals. What sounds like a simple recipe is ultimately more complex than what one is used to. Yes, buzzwords and genre descriptions such as post/dark/indie indeed come to mind, but there is much more to it. If there is one band which could bring fans of Burzum and QoTSA together, it would be GOLD – all that while sounding like neither. 
‘Optimist’ starts bleak and slow, and the first track ‘You Too Must Die’ stands in strong contrast to the album title. Opening with the words “binge-watching the world collapse” in Milena’s vulnerable voice, it reveals another quality of GOLD – being not only musically but contextually relevant in a world divided between hate-mongering and escapism. ‘Summer Thunder’ slightly picks up the pace while contrasting Milena’s now more confident voice with a subtle desert vibe to the guitars. Are we getting slightly optimistic here? Hell no. This song is still deeply drenched in melancholia, although maybe a little more determined. ‘White Noise’ is a turning point, and sadness inevitably turns into madness, all conveyed through Milena’s lyrics and vocals, while the band slowly grooves towards the abyss. The fall is deep, and so ‘Teenage Lust’ demonstrates how it sounds when you’ve hit rock bottom. The absence of drums in this down tempo depressive episode makes the beginning of ‘No Shadow’ all the more powerful. The nadir is overcome, the tempo is fast, the lead guitar cuts, and suddenly Milena sounds stronger than ever – until ‘I Do My Own Stunts” suddenly turns resignation into confidence! If I had to pick one, this would probably my favourite and, with its 80s-vibe in the chorus, will certainly be played right after some BEASTMILK-song at my next DJ session. What follows is a two-minute battle cry to do just one thing – to not be an asshole in a world full of assholes, to ‘Be Good’ and to “stick to your guns and hold on tight”. Suddenly, we look back and see that we’re out of the dark valley – albeit an easy accomplishment as Milena, against a backdrop of almost-heavy-metal, nearly cheerfully sings ‘Come With Me”. Before we know, this record has taken an optimistic turn one would have never assumed after the first couple of songs. Even the closer ‘Tear’, with its downtempo melancholia and Milena’s voice reaching into new depths, cannot quench the ambivalent mood between sadness and hope, and takes this journey to a beautiful end.


Make no mistake – if you are into metal and nothing else, you will probably not like this. If you are a little open-minded, though, and care about music, you should definitely give ‘Optimist’ a chance. Despite being clearly centred around Milena’s voice, the guitars and rhythmic section have a lot to offer and the compositions and performance are totally on point. It is a sad yet warm album, totally fitting the dark era it was released in, although I hardly doubt that it will age well. On top of that, GOLD accomplish the rare feat of avoiding the many clichés around that genre. They are neither your typical leather-clad rock band nor pretentious owl-and-deer-hipsters. They just write beautiful music with a message, and you should listen to it.

viernes, 3 de marzo de 2017

King Woman – Created in the Image of Suffering (2017)


King Woman, banda californiana liderados por la carismática Kristina Esfandiari, acaba de lanzar su álbum debut, el cual desborda melodías lentas y melancólicas mientras se pregona las suertes del mundo con una capacidad hipnótica en tanto sus tres compañeros de banda van desplegando la música de la manera más pesada y lenta posible, tanto así que a ratos este doom roza el drone y el shoegaze al mismo tiempo, sin complicaciones y de manera bastante natural. 

“Created in the Image of Suffering” es un disco que con sus 8 canciones decide seguir expandiendo los horizontes del doom (aunque esto parezca sumamente difícil) añadiendo al estilo creado por los Sabbath, elementos de bandas como Mazy Star, Chelsea Wolfe, Slowdive y demás exponentes, mientras las paredes de distorsión y la base rítmica machacan sin tantos frenos.

A lo largo del disco, queda claro que la joya es Esfandiari, es ella quien además de escribir todas las letras, y cantar de manera fantasmal, narcotizada y perfecta, hace que el disco se vaya envolviendo en un halo denso y ensueño. 


Definitivamente es un disco que requiere tiempo, que no es para todos, pero que con repetidas tocadas uno va encontrando los detalles que tan fácil se pasan al principio y que hacen de este disco, uno de los mejores en lo que va del año.  Kristina y compañía demandan atención, paciencia y tiempo, pero para aquel escucha que tenga lo solicitado, la recompensa será magistral.

lunes, 13 de febrero de 2017

Breves recomendaciones I

Para esta primera entrega de las breves recomendaciones del año, tengo para compartir estos cinco álbumes dispares que evocan distintos subgéneros musicales donde cada uno, con muchos más pros que contras, poco a poco irán trepando y asentándose en el año.

Ever Circling Wolves - Of Woe Or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Gloom (2017)


Con una mezcla no tan convencional de death y doom; Esta banda finesa acaba de lanzar su nuevo disco plagado de partes lentas pero con mucha melodía, voces guturales y limpias que acompañan la cadencia y las progresiones de las canciones de manera serena. Un excelente disco.


Ognemöt – Vol. 1 (2017)


Debut de esta colaboración de músicos que vienen de Suecia y Estonia, muy en la línea de los grandes Martyrdod, y con esa mezcla de crust, punk y black que derrocha energía pura sin reducir la marcha en ningún momento. De las cosas que más me gustan de este tipo de género, las melodías de las guitarras y la velocidad de las canciones, y en este disco se puede encontrar mucho de ello.


Nidingr – The High Heat Licks Against Heaven (2017)


Esta banda, que data de mediados de los noventas y que cuenta como principal miembro de la banda a Teloch (Mayhem, The Konsortium, Teeth and Thorns, etc.) ha logrado sacar a la fecha 4 discos, de los cuales este es el primero al cual le doy una seria escuchada, principalmente gracias a que uno de los invitados es el Garm en la canción Ash Yggdrasil. El disco, es una mezcla de black (como raíz principal), death (como elementos incorporados) y que experimenta en algunos pasajes, logrando una atmósfera específica para el sonido del disco.     


The Ominous Circle - Appaling Ascension (2017)


Death Metal del sucio y denso a primera escuchada, pero a medida que las canciones van avanzando, se van notando detalles y elementos incluso blackeros que hacen de este debut de los lusitanos The Ominous Circle, un excelente disco.  Cada uno de los músicos, sabe exactamente su función, que sin ser los más rápidos ni los más lentos, llegan a una velocidad precisa para desplegar oscuridad y pesadez muy en la vena de los poderosos Dead Congregation. Recomendado para quienes gusten de este tipo de death.


Kairon; IRSE! – Ruination (2017)


Otra banda finesa que con una mezcla prodigiosa de rock progresivo, psicodélico, shoegaze,  funk y hasta detalles de jazz que siempre se orienta a los años setentas, y que acaba de sacar una obra maestra de segundo disco.  Un disco que simplemente invita a viajar.