martes, 21 de junio de 2016

Santana - IV (2016)

Han pasado 45 años desde que salió el Santana III, cerrando una etapa en la historia de la banda. Cuando entraron al estudio para grabar el Caravanserai, en 1972, las cosas habían cambiado. Carlos Santana quiso enfocarse en el jazz; en su momento, el presidente de Columbia Records, fue claro al establecer que era un suicidio artístico, pues marca una ruptura abrupta en relación a los tres primeros discos. Es el comienzo del declive comercial de Santana. El guitarrista pensó que enfocarse en un estilo, lo limitaba a nivel musical, él quería experimentar; siempre fue su ambición, hacer de la banda un colectivo y colaborar con los mejores músicos de ese momento. Gregg Rolie y Neal Schon, frustrados salieron de la banda y formaron Journey, pero esa es otra historia.
La Santana Band ganó notoriedad por su único y casi indefinible estilo musical, una fusión entre los ritmos latinos, el jazz y el rock-pop. Fundada como una banda de blues, lentamente fue gravitando hacia un formato libre más próximo del jazz. Sus conciertos legendarios en Fillmore East, consolidaron su reputación en la capital de la cultura hippie; esos conciertos eran una experiencia sobrenatural, en concordancia con el espíritu de la época: las drogas y el amor libre. Bill Graham vio el potencial de la banda y consiguió un contrato con Columbia Records, pero antes de entrar al estudio era necesario que la banda comience a estructurar sus canciones para adaptarlas al formato de un LP; de ahí el toque pop de algunas de las canciones del disco epónimo. Todos recordamos Woodstock, el solo de batería de Michael Shrieve, los timbales de Chepito Arias, las congas de Mike Caravello y el solo extraordinario de Carlos Santana. Fue su primera gran exposición mediática y una de las más icónicas. El primer disco fue un éxito rotundo, seguido casi de inmediato por el Abraxas, un disco más ambicioso y mejor estructurado, y luego el Santana III ya con Neal Schon, el joven prodigio de diecisiete años.
Es la etapa dorada de la banda y la más laudada; sin embargo, la carrera de Santana no termina ahí. Sacó muy buenos discos, incluyendo el Live grabado con Buddy Miles (1972), el Love Devotion Surrender (1973), en colaboración con el gran John McLaughlin, uno de los mejores discos en el vasto repertorio de ambos guitarristas; el Illuminations (1974), junto con Alice Coltrane, El Welcome (1973) y el Borboletta (1974) junto con la nueva Santana Band, cerrando el ciclo de experimentación con el Lotus (1974), disco triple en vivo. Sin duda, es una etapa más ecléctica, pero son discos muy bien logrados. Amigos (1976), Festival (1977) y Moonflower (1977), son discos de transición. La etapa experimental de Santana es tal vez la más interesante pero esos discos no suscitaron ningún interés; el Amigos fue grabando con el objetivo de volver a un sonido más comercial y accesible, no es un mal disco, muy popero para mi gusto, pero tiene canciones maravillosas como Europa, con un bestial solo de guitarra y Gitano, escrita y cantada por el gran Armando Peraza, uno de los percusionistas más respetados de las escena latina; Dance Sister Dance, es una canción que funciona mejor en vivo y ahí Greg Walker muestra todo el poder de su rango vocal, por ello considero que la versión del Moonflower es la definitiva.  
Festival es un disco muy interesante, muy latino, Revelations es de las mejores canciones que tiene la banda, nunca podríamos cuestionar la habilidad de Santana y la manera como crea atmósferas;  la secuencia Carnaval/Let the Children Play/Jugando, tiene más fuerza en vivo. Por ello, considero que el Moonflower cierra definitivamente la primera etapa de la banda; nunca más tendrán ese sonido, nunca más tendrán ese brío; lo que sigue es la travesía del desierto. Inner Secrets (1978) y Marathon (1979), marcan su viraje casi definitivo hacia el pop.  En paralelo, el guitarrista sacó dos discos como solista, utilizando su nombre budista: Devadip, Oneness – Silver Dreams, Golden Reality (1979) y The Swing of Delight (1980). Son discos muy raros, hace tiempo que no los escucho, creo que hasta he olvidado como suenan. Lo que sigue es la década perdida, dejando de lado del Zebop! (1981), que tiene grandes momentos musicales, lo  demás es intrascendente. Cada uno de esos discos tiene sus pequeñas joyas, pero en conjunto es una etapa sin mucho contenido. Tal vez, el disco más interesante del periodo es el Viva Santana! (1988), una retrospectiva de la carrera de la banda. La mayor parte de las canciones son versiones en vivo y hasta el día de hoy sigo esperando la reedición de esos conciertos. En realidad es lo que les falta, testimonios de la fuerza que desplegaban en escena.
En 1992 salió Milagro, un disco que pasó desapercibido y sin embargo es un regreso al sonido clásico, esa fusión entre jazz, rock y ritmos latinos. Fue uno de los primeros discos que tuve en mi vida y aún lo sigo escuchando con el mismo entusiasmo; dejando a un lado un par de temas flojos, es un disco excelente. En 1994, salió el último de los discos solistas de Carlos Santana, que entretanto abandonó el budismo para dedicarse exclusivamente a su vocación de cristiano, Brothers, grabado con su hermano, Jorge Santana, y su sobrino, Carlos Hernández, es un disco que retoma la experimentación. Explora diferentes estilos y géneros, es un despliegue de técnica y de pasión; es un disco excelente y también pasó desapercibido. Como anécdota, cabe señalar en toda la década de los 90, los rumores de una posible reunión de los miembros clásicos de la Santana Band, se hizo muy presente, más aún cuando la banda fue entronizada al salón de la fama de rock and roll. Gregg Rolie fue el artífice una reunión fallida, pues Carlos Santana no quiso participar, pero los miembros restantes: José Chepito Áreas, Michael Shrieve, Mike Caravello y Neal Schon sacaron un disco tomando por nombre Abraxas Pool (1997), en homenaje al disco más exitoso (hasta ese momento) de Santana. No hubo ninguna repercusión en los medios y la placa sigue ahí, empolvándose en los anaqueles. Sin embargo, es un disco muy bueno, muy interesante, pero suena distinto; Neal Schon es un gran guitarrista, pero sin Santana la banda pierde su magia.  
Y luego, Santana, el guitarrista y su nueva banda, cierran la década con el disco más exitoso de toda su carrera, Supernatural (1999). Cuántos artistas pueden jactarse de eso, sobrepasar el éxito de su juventud. Ese disco revitalizó plenamente la carrera de la banda y es uno de los discos más galardonados por la industria musical. Descartando a los Who que siguen de gira, es la única de la bandas de Woodstock que sigue activa, que sigue sacando discos y que sigue teniendo éxito. Es la única banda, de las que forman parte del salón de la fama, que pudo sobrepasar el éxito de sus años de gloria. Rompe demasiados estándares y ahí todo el mérito lo tienen los productores que concibieron el disco como un compilado de grandes éxitos. Reproduce una vieja técnica en la banda, colaborar con varios artistas y Santana supo rodearse muy bien: reúne lo mejor y lo más comercial de los 90. Con ello, Carlos Santana se convirtió en un intérprete de grandes éxitos y los discos que siguieron repiten la misma fórmula: muchos covers y canciones compuesta por los “invitados” y muy pocas composiciones propias. Shaman (2002) fue exitoso, pero no es un buen disco, All That I Am (2005), es pésimo, de lo peor que tiene Santana; ahí perdí mi fe en el grupo. Pero como soy obstinado y me obsesiono, me dio curiosidad cuando la banda sacó el Guitar Heaven (2010).   
No está nada mal, aunque tiene versiones muy raras de Back in Black y de Under the Bridge; es un disco de covers bastante atípico, de los Beatles, pasando por Def Leppard y Van Halen, a los covers de siempre: Led Zeppelin y Cream, sin olvidar a Deep Purple. Pero suena mejor que cualquiera de los discos con el all-star line-up. Es más rockero y por eso me gusta, me trajo recuerdos y reavivó mi interés por esa banda. También por esas fechas volvieron a surgir los rumores de la posible reunión del line-up clásico. Nunca les tuve mucha fe, la banda seguía de gira como siempre, incorporando a nuevos músicos, abriendo espacios a jóvenes talentos, interpretando los clásicos de siempre. Y tras cuarenta años de ardua espera, Carlos Santana y John McLaughlin reunieron fuerzas para liderar por primera y única vez el mítico festival de Montreux en 2011; un concierto emotivo que rescata lo mejor de ambos guitarristas: el jazz, el blues, el góspel, la Santana Band y la Mahavishnu  Orchestra; es un tributo a la música y un regalo para los fans. Ese es el Santana que me gusta y que marcó mi juventud. Al año siguiente salió el Shape Shifter, un disco excelente que contra todo pronóstico incorpora mucho del sonido que la banda forjó a principios de los 70 junto con esa producción pulida muy característica del sonido de Santana desde el Supernatural. El 2013, en un documental de no sé canal de televisión que le siguió la huella a Marcus Malone, fundador de la Santana Band y coautor de la legendaria Soul Sacrifice, se hizo el anuncio oficial. Entre paréntesis, después de un breve periodo en la cárcel, Malone se convirtió en un indigente y vivió en las calles por cuarenta y dos años; el canal de televisión organizó un emotivo reencuentro con Carlos Santana, más una farola que otra cosa, pero ahí el guitarrista confirmó que los miembros clásicos de la banda iban a grabar un disco y Malone estaba invitado a participar.
El 2014, las esperanzas de un nuevo disco con la Santana Band, cuasi original, se esfumaron cuando el grupo volvió al latin-pop con un disco bastante cursi llamado Corazón; nada excepcional y esa su versión de Oye Cómo Va, con Pitbull como invitado, es ofensiva. Nota al pie de página, es el último disco en el que participa Raúl Rekow, miembro de la banda desde 1977, aquejado por un cáncer fallece el 2015. Pese al comunicado oficial, pensé que el disco nunca iba a salir, siempre es difícil conciliar egos y aceptar los errores del pasado. 2016, el Santana IV; si quiera enunciarlo es prácticamente irreal. Pero ahí está y desde la primera nota nos envuelve el recuerdo Neal Schon y Carlos Santana intercambiando solos y los maravillosos teclados de Gregg Rolie. Es un disco muy parecido al Abraxas Pool (una banda que trata de capturar el sonido de su pasado), aunque más largo y por eso es menos eficaz. La batería de Michael Shrieve a ratos suena como un drum-machine y eso me deja desconcertado; los grandes ausentes son David Brown, fallecido en 2001, José Chepito Áreas, porque es notoria su aversión hacia Carlos Santana y Marcus Malone que ha retomado su carrera como músico pero no fue convocado por la banda. Benny Rietveld, retoma su posición en el bajo, está con la banda desde los años 90 y Karl Perazzo en los timbales, también un viejo acólito del guitarrista.
El Santana IV, no tiene muchas sorpresas pero suena bastante bien; tiene canciones excelentes y es uno de los mejores discos en el vasto repertorio de la banda y del guitarrista. Tiene un sonido plano y muy pulido, muy FM, siguen siendo las consecuencias del Supernatural y sin embargo es una banda que parece disfrutar el momento, dejando a un lado todos los problemas que llevaron a su colapso; haciendo las paces con el pasado, parece ser el denominador común de esa generación. Es la nostalgia la que impera, es una generación que cambió a la música y es una generación que lentamente se apaga. Una última mirada hacia atrás, hacia lo que fuimos, hacia nuestros anhelos, pensando en cómo quisiéramos ser recordados.

sábado, 18 de junio de 2016

Moonknight - Zhora (EP)


En cuestión de Black Metal, los gringos no dejan de sorprenderme. Estados Unidos, es un país muy grande, con una variedad enorme de regiones definidas por diferentes ámbitos geográficos, definidos a su vez por diferentes entornos socioculturales (el entorno de limita, pero además te define). Desde sus inicios, este país ha albergado a miles y miles de migrantes de diferentes lugares del mundo, quienes además de haber dejado descendencia, dejaron una huella con su propia identidad cultural.

Siguiendo en esta línea, es que nos encontramos con una variedad significativa de bandas de Black metal, que de una u otra manera, responden a sus entornos geográficos, culturales, sociales o históricos. Así pues, nos encontramos con este disco, que según lo poco que pude investigar, es un disco que en cuestión ideologica, es toda una tesis sobre lo “eslavo” (un grupo grande de pueblos europeos, que incluye a tanto a checos, eslovacos, 
pomeranios, polacos, bielorrusos, ucranianos y rusos entre otros).

Para ser sincero, yo no conocía a esta banda, pero resulta, que ya cuenta con tres LPs, algunos splits y este, que llegaría a ser su tercer EP.


Procedente de Louisville, Kentucky, este es un proyecto de James “Horus” Brown, quien básicamente se hace cargo de todos los instrumentos. Musicalmente, nos encontramos con un disco que genéricamente podríamos describir como black metal atmosférico. Sin embargo, resulta obvio que este disco va mucho más allá de esa etiqueta. 


Ya escuchándolo con calma, se pueden pillar muchos estilos dando vueltas y fluyendo por ahí. Indiscutiblemente el black es el hilo conductor, pero ese es el gancho, es lo genérico. El disco se suelta rápido, y nos mete en todo un viaje. Una variedad sonora, desde esos riffs raw intensos, pero que no necesariamente son blackeros, hasta melodías que de manera muy sutil se entremezclan con el post-rock, el post-punk, el shoegaze e incluso con el darkwave. Un black metal, medio extravagante si vale el término, por lo menos diferente, pero muy bien hecho. Tiene un sonido muy contemporáneo y esa mezcla de tantos estilos es lo que lo hace interesante.

Una de las sorpresas y un candidato que estoy seguro que va a figurar en muchos de los tops de fin de año
.

Vale of Pnath - II


Uno de los discos que más me sorprendió en lo que va de este primer semestre. Esta es una banda procedente de Denver, Colorado. De lejos, este es uno de los mejores discos de death metal técnico que he escuchado en lo que va del año.

Es ese tipo de death metal, que si bien es extremadamente técnico, es melódico, intenso y tiene excelentes riffs que te dejan colgado… rockeando!!!

La técnica de los músicos, es envidiable, unos virtuosos. Partiendo del bajista Alan Parades, un monstruo, quien hace una dupla brutal con el baterista Erick Brown, un pulpo, un relojito. Los dos guitarristas, Eloy Montes y Vance Valencia, que prodigios!!! Estos son el tipo de violeros que uno disfruta al escucharlos.

Si bien esta banda en cierta manera me hizo un poco de recuerdo a los The Black Dahlia Murders, de lejos es mucho más técnica y melódica, y además con un espectro musical mucho más amplio. A parte de la intensidad y brutalidad propia del estilo, la incorporación de pianos, interludios de guitarras acústicas y sobre todo la inclusión de armonías y melodías de la música barroca, hacen que este disco sea y de lejos uno de los discos más innovadores en cuanto a este estilo de música se refiere.

viernes, 17 de junio de 2016

Necromantic Worship - The calling…


Sigo creyendo que H.P. Lovecraft (1890-1937), es hoy en día uno de los escritores más influyentes, no solamente dentro de los círculos literarios y académicos, sino también en el mundo del arte, especialmente en la música y concretamente en lo que nos interesa, en el metal.

La narrativa y trama de Lovecraft en si ya son una cuestión compleja, con ese imaginario centrado en los ritos arcaicos, casi primigenios y esos dioses o entidades, ahí, en el umbral, al asecho.

Y básicamente, esa es la trama de este disco. Este cuarteto procedente de los Países Bajos, nos transporta a los más desolados y aterradores parajes, donde ronda el caos y la locura. A los portales en los cuales, los “antiguos” aguardan para volver.

Básicamente, este es un disco de black metal, pero dentro del estilo es bastante extraño. Tiene cosas muy oscuras, es bien crudo, muy old school, pero a la vez es diferente, no es el típico black metal. Los teclados crean una ambientación siniestra, que es clave en el disco. Pero lo más llamativo del disco es la preponderancia del bajo y de lejos, las voces, que tampoco son las típicas voces de black metal. Son voces susurrantes, más bien siseante, como si habría alguien que realmente está susurrando y blasfemando oscuras invocaciones.

Y bueno, ni que decir de la portada, Lovecraft total. De hecho, de solo verla, se me vinieron a la cabeza varias historias del Maestro.

Un disco que más que seguro estará en mi Top de fin de año.




viernes, 10 de junio de 2016

Breves Recomendaciones

Nueva entrega de las recomendaciones breves, para esta, cuatro discos que solicitan en la medida de las posibilidades, su atención de principio a fin.

Værket – Jealousy Hits (2016)


Esta joven banda danesa ha logrado en su corta vida musical, un admirable álbum de solo 4 canciones que muy pocas bandas podrían lograr soñar hacer… Psicodelia sesentera y rock progresivo de mucha calidad. Viajes sonicos que se auto-descontrolan por necesidad, para luego retomar la ruta solo para meditar el curso. Un disco que no será para todos, pero para el que sea será de verdad.


Dark Suns – Everchild (2016)


Un total de 8 músicos germanos que entre guitarras, saxos, pianos, voces, trompetas y bajos maravillan con cada nota, melodía y ritmo, en este su “Everchild”. Con inicios en el death/doom como parte de su historia y sus ya cinco discos; parte del giro musical que dio esta banda a partir de su disco “Orange” del 2011 ya les daría una amplitud de opciones que hay que saber manejar para que  el cambio sea el “correcto” y no termine siendo un “desliz”, y Dark Suns lo logró el giro completo con este su nuevo trabajo. Un deleite total de disco, que seguramente estará en mi lista de lo mejor del año.


Messa – Belfry (2016)


Desde Padua Italia llega el debut de este cuarteto. La cosa empieza densa densa, una profundidad a la cual se vuelve de manera cíclica a lo largo de este trabajo, pero siempre hasta que llega la aclaración de Sara, la vocalista que junto a sus compañeros se ciñen de occult doom rock con toques hasta bluseros, en 10 canciones que por un lado funcionan de pasajes (Alba, Faro, Tomba y Bell Tower) y con otros seis (Babalon, Hour of the Wolf, Blood, New Horns, Outermost y finalmente Confess) que son los espacios de explaye musical total. Todo en el mejor ambiente que solo un género como el doom puede dar. Una joya de disco.


Alaric – End of Mirrors (2016)


El segundo álbum de esta banda gringa continúa el lóbrego camino ya recorrido por su primer trabajo homónimo del 2011, su mezcla particular entre doom, dark post punk y el noise rock, que si bien sigue teniendo cosas de bandas como Amebix, Killing Joke y obviamente Joy Division, para este nuevo álbum ya los elementos propios son determinantes en su música, además de haber añadido cosas un poco más sombrías y de cierta manera experimentales en esta ocasión. Una excelente adición a su muy recomendada breve discografía.





miércoles, 8 de junio de 2016

Review: BRUTAL ASSAULT 2015


El Brutal Assault no es solo el festival de Metal más grande en Europa del este (República Checa), sino ademas que se ha vuelto más y más relevante para los metaleros de todo el continente en los últimos 20 años. La singular ubicación en la histórica fortaleza de Josefov, lo convierte en el lugar perfecto para festear en alrededores distópicos. Los bares están situados en las casamatas de la fortaleza, protegiendo a la gente no solo del fuego de los cañones sino del despiadado y brillante sol.

Para celebrar su vigésimo aniversario, esta edición tuvo una alineación muy bien seleccionada, con algunos de los mejores representantes de casi cada género de música extrema, también algunos experimentales y otros electrónicos. El Metal extremo no está limitado solo a los géneros más veloces, sino también con la presencia de algunas de las bandas de Doom más duras. Si esas bandas no causan que la fortaleza colapse entonces solo los estragos del tiempo lo harán...
Banner personalizado
Para leer sobre su organización pueden revisar mi post previo aquí. Era además posible crear tu propio banner con las 10 bandas que te gustaría ver.

El viaje a esta parte de Chequia fue como viajar en el tiempo, al menos a los de la Guerra Fría en los 80s, muy poco cambió desde entonces. Este es un verdadero festival DIY en un lugar abandonado: anarquía, solo el espíritu metalero, comodidades improvisadas, cero hipters, cero poseros, cero mierdas. Para un visitante occidental, es como encontrarse en un universo apocalíptico paralelo que está alimentado e inundado por la mejor cerveza del mundo.

Viaje a lo desconocido

Este ha sido el festival al que más me ha costado conseguir una acreditación y planificar un viaje a un lugar llamemosló "remoto", incluso para el Andy, no fue tan fácil. Salimos de madrugada de casa, cruzamos no solo de oeste a este Alemania sino también República Checa, desde un par de cambios en tren hasta Nuremberg, luego en bus hasta Praga y finalmente en los trenes checos. Estos en comparación a los trenes en el oeste de Europa, parecen como aquellos de hace 40 años y que aún funcionan, son por cierto el transporte urbano más utilizado en esa región. Doce horas después, caminamos un par de kilómetros más con todo lo que llevábamos en un verano que quemaba la piel.

Alrededores del festival
Llegando a la fortaleza de Josefov se podía ver como la transitoria comunidad metalera se instalaba donde fuera y como sea, incluso en los alrededores. Después de buscar un lugar, acampamos medio escondidos a solo unos metros de la entrada principal, nada mal. No hay lugares designados para acampar, cada uno puede hacerlo donde quiera, excepto el Camp VIP que está cercado pero queda un poco más lejos de la entrada. En la entrada nos entregaron además del programa oficial, un dvd, la guía de las cervezas ofrecidas y un colorido set de credenciales para tener a mano la programación en los tres escenarios: dos principales el Jägermeister y el Metalshop, además al fondo el aislado Metalgate.

Triptykon
El primer día, las bandas empiezan a tocar a las tres de la tarde, queríamos ver al menos media docena de bandas pero con el trajín de la llegada ya era casi las 7 pm y apenas alcanzamos para ver algunas en los escenarios principales: Melechesh, Triptykon, Katatonia y un algo de Mayhem. No había escuchado hasta entonces a Mayhem con semejante sonido, sonaron como deberían, fríos y mórbidos.

Aclimatizandosé al infernal ambiente

Arcturus
El segundo día con un fulminante calor, logramos ver un poco de Nervosa (las brasileñas), aprovechar para visitar la fortaleza y sus miles de recovecos, además de escondernos del sol, Visitamos el llamado Octagon (un bastión de la fortaleza) ubicado detrás de los escenarios principales y donde se realizan los Meet & Greet, la exposición de arte, se encuentran también el espacio para la prensa y uno de los bares, todos con televisores para ver a la banda del escenario principal. Así entre querer ver algo de Benighted y Horse the Band, luego cruzar todo el campo para llegar al Metalgate a ver a los chilenos de Nuclear que sirvió como anticipo para unas de la bandas que esperaba con ansias, Arcturus tocaba en el Jägermeister, quizás haya sido el clima, la hora o que se yo pero esperaba más.

Enslaved
Asphyx y Enslaved son bandas que continuamente son invitadas a tocar en festivales, ambos shows como siempre demuestran el porque, luego fuimos a ver a los polémicos Atari Teange Riot en el Metalgate, el grupo del conocido Alec Empire, quienes previamente ya visitaron el festival y este es por lo que sé uno de los poco festivales "extremos" que visitan y eso se puede apreciar porque a los locales les gusta no solo festear con bandas enteramente metaleras. 

Sunn O)))
Nos quedamos para ver ni mas ni menos que a Amenra, que como siempre fueron intensos en ese trance lento al que te llevan. Luego allí también Agalloch y finalmente en el Jägermeister a Sunn O))), para quienes se necesita más de un par de protectores de oído. Son al parecer mucho más intensos en lugares cerrados, de todas formas, hace tiempo que quería verlos y la experiencia en vivo un escenario de esas características fue de por si electrificante.

Más y más profundo dentro las criptas

El tercer día, teníamos planeado ver más bandas, pero aprovechamos más bien para realizar el tour guiado a las catacumbas de la fortaleza. Esperamos para que el guía amablemente tomé un pequeño grupo y así explicarnos en inglés, con las ayuda de unas velas visitamos lugares donde se guardaban provisiones y armas, no fue muy largo pero aprendimos más cosas y disfrutamos enormemente del clima templado ahí dentro. 

Primordial
Ya en la tarde vimos un poco de Brujería en el Metalshop, entre ver a Lantlos o quedarse para ver a Primordial, decidimos por este último y claro, es una banda que no importa la hora que toqué siempre suena increíble. Luego, The Dillinger Escape Plan tan acelerados como su música que no hay un segundo en que permanezcan quietos, aunque la primera vez que los vi fue en un pequeño club, esta vez los pude ver en todo su esplendor. Para después ver a Napalm Death que es una de esas bandas old school que no pierden el espíritu, lástima que no pudieron completa su show ya que sorpresivamente acabaron tocando sin PA, era como ver una película muda. 

Skepticism
Debido a que Killing Joke canceló su presentación, los islandeses de Svartidaudi, tocaron un segundo show como reemplazo pero en el Metalgate, así que como nos perdimos su primero show quisimos al menos ver algo de este. Pero no podíamos perder la oportunidad de ver a otra leyenda que tocaba en el Metalshop paralelamente, Candlemass.

La gran sorpresa para mí fue ve a Mats Levén en las voces, creo que es uno de esos vocalistas que es muy difícil olvidar (Gira Sudamericana Lemuria/Sirius B de Therion). Estaba más que preparada para correr hasta el Metalgate y ver a Skepticism, tuve que esperar mucho para ver a estos finlandeses y la espera lo valió, es una banda que desearía ver en una iglesia, fue increíble. A esas alturas solo quedaban fuerzas para ver a una banda más, así cerramos el día con en el escenario principal con Godflesh, esta vez la música se disfrutó mucho más en este ambiente apocalíptico.

Tocando fondo


El última día aprovechamos para pasear por las afueras de Josefov, que es como un pueblo fantasma ocupado por metaleros (esta antigua fortaleza militar que fue condenada a la decadencia). Todo el complejo militar y sus alrededores pertenecen en la actualidad a la ciudad de Jaroměř.
En la fortaleza de Josefov

Cuando se construyó la fortaleza se pensó en proveer a los soldados, el pueblo se construyó para eso, además es posible ver la arquitectura de las casas que aún quedan, muchas muy deterioradas pero con mucho detalle. Algunos locales comerciales aprovechan como pueden, la cantidad de visitantes al festival, por lo que se puede comprar una cerveza en una pequeña farmacia o tomar una ducha.

Hoy además fue el día en que el clima no perdonó a nadie, mientras yo permanecida escondida en uno de los cafés, el Andy aprovecho de sacar fotos a Rosetta, incluso con el sol más intenso lograron crear una atmósfera única, son realmente muy talentosos. Por la tarde quería ver un poco de Sólstafir, quienes se han convertido en unas verdaderas estrellas, aunque eso signifique perder el brillo y al baterista original.

Phurpa
Este día también, se preparó un show especial, habilitaron un escenario el denominado Oriental Stage en el patio interno del Octagon para la presentación de solo dos bandas: Phurpa de Rusia, quienes realizan cantos difónicos en un ritual tántrico y utilizan instrumentos autenticos de la música de Bon, la tradición budista más antigua del Tibet. Y Cult of Fire, banda de culto checa de melodic black cuya decoración en el escenario consistía en velas e incluso un par de guadañas propias del mismo Grim Reaper. Era increíble la cantidad de gente que estaba allá. 
 
Esoteric
Después había que correr hasta el Metalgate para Dead Congregation y de nuevo al Jägermeister para ver a At the Gates quienes siguen siendo una de mis bandas favoritas en vivo ya que transmiten toda la energía que uno sintió alguna vez al escuchar sus temas. Luego tocaba Anaal Nathrakh, el Andy los vio un rato pero decidí quedarme para ver Esoteric, no habia mejor banda que esta para cerrar de esta forma el festival, un poco corto el show considerando que la banda tiene temas de 20 minutos pero tienen un sonido único y un estilo propio, no hay banda de funeral doom que suene así. Gran cierre para este Brutal Assault.

Verdadera dedicación al apocalípsis

Amenra
Vale la pena mencionar que la organización ha planificado de que las bandas más pesadas y rápidas, si se podrían llamar, tocan más temprano. Fue un gran alivio y una emoción ver bandas como Amenra, Sunn O))) o Skepticism o Esoteric cerrar los escenarios de noche y crear así una atmósfera oscura, luego de escuchar drone/doom uno queda listo para el final. 

En este caso, la política de las bandas más famosas o comerciales no son las que se llevan los mejores puestos. Se nota que los organizadores son verdaderos fans de la música y que invierten mucha dedicación para esto.
Los escenarios principales están cerca a la entrada y dominan por completo este lugar del festival, me hubiera gustado verlo desde la tribuna que tienen en frente pero incluso los espacios para esta estaban agotados. Además existen gigantes carpas y lo que llamó mi atención fue sin dudas los bares, que están todo el día abiertos y se encuentran estratégicamente en un par de casamatas, las que no podrían albergar mejor a los sedientos visitantes en un lugar fresco y tan peculiar. 

Uno de los bares en el Octagon
En estos bares hay que realmente destacar el poder encontrar no solo un tipo de cerveza, sino nueve!! Si nueve, por lo general en los festivales hay uno o con suerte dos tipos y si uno tiene mucha suerte no es solo pils que sabe a agua por no decir otra cosa. Los checos realmente no tienen porque envidiar sobre su cerveza y los precios oscilaban entre 1 y 2 cupones por un vaso de medio litro (cada cupón costaba un poco más de un euro) definitivamente un festival económico si se compara con otros igual de importantes. Y para los que infortunadamente no desean cerveza, hay una bodega de vinos, diferentes bebidas o jugos naturales de los cuales me volví fanática, estos se encontraban en un tipo de cafés, a la entrada de las catacumbas. 

Cine del horror en la fortaleza
En cuanto a la comida, se podía encontrar de todo, habían cientos de quioscos, entre comida vegana y la conocida bohemian cuisine. Por lo demás en los alrededores de la fortaleza se encontraba lo necesario.

El "Cine del Horror" es de igual manera tan peculiar, debo también resaltar el ingenio del equipo para reciclar material, los asientos eran desechos de autos usados. Lastima que siempre estaba lleno, nunca pudimos ver un solo film pero bueno había tantas bandas que ver que bueno, muchos creo iban más para evitar pasar la borrachera bajo el sol.

Otro plus fue la exposición de arte, además de la presencia del famoso Peter Beste (conocido por sus fotos de bandas noruegas de black metal) con quien pudimos conversar un poco, también conocimos a uno de los organizadores iniciales del festival, el conocido Shindy quien se tomó un poco de su tiempo para firmarnos el libro del festival, el cual consiste en más de 400 páginas a color, se puede aprender mucho de la historia del festival y reír con el sinfín de anécdotas, por suerte se tomaron el trabajo de traducir todo a inglés todos los textos en checo, que gran trabajo!. Aunque uno nunca haya visitado el festival, el libro refleja el verdadero espíritu de organizarlo y como esto se adapta a la cultura metalera sin compromisos de ningún tipo.

Estás siendo vigilado por la Máscaras de la Peste
Si alguno piensa visitar Europa con motivo de un festival no pierdan la oportunidad de visitar este increíble festival, el viaje lo justifica (sugerencia poco conocida aún). 

Para ver el álbum completo de fotos (más de 200) pueden visitar el siguiente link aquí.

Pueden además ver este entretenido reportaje de estos chicos franceses para tener una mejor impresión en vivo, con subtítulos en inglés:


viernes, 27 de mayo de 2016

Michale Graves – When Worlds Collide (2016)


Michale Graves, el controvertido reemplazo de Glenn Danzig, en la versión noventera de los Misfits, hace algún tiempo publiqué algo al respecto (aquí). Desde entonces, Jerry Only se empecina en destruir el legado de los Misfits, cobrando regalías por canciones que Danzig y Graves compusieron, sacando singles y EP bastante malos, saliendo de gira cada vez que se puede con una nueva versión que esta vez incluye a su hijo, que lleva el coqueto apodo de Jerry Other. Todavía me deja consternado, lo caricatural que suena todo eso. Mientras tanto, Danzig ha bajado el ritmo y finalmente sacó al mercado su tan esperado disco de covers aunque no con el resultado estimado; pues queda claro que al fin Danzig sacó un disco igual de malo que los discos de Jerry Only. Suena como un disco de los Misfits, en su versión más reciente y ese es un problema; es un disco que colinda con lo absurdo, con una pésima producción y un pésimo trabajo vocal, de lo peor en el vasto repertorio de Danzig. Y en paralelo Michale Graves volvió al ataque consolidando su reputación como solista y compositor, reafirmando su legado; no solamente fue un reemplazo, condenando a desaparecer con el tiempo. 

Es cierto, tal vez no sea el mejor vocalista, pero mientras estuvo en los Misfits hizo su trabajo, compuso casi todas las canciones y revitalizó a la banda. Es mucho más de lo que Jerry Only ha hecho en toda su carrera. Valerse del trabajo de otros para obtener reconocimiento, no me parece una actitud muy ética. Graves se ganó su lugar, demostró que puede hacer algo más que horror punk, es un músico que rebasa el estereotipo; algo que también hizo Danzig. En 2002, Graves y Dr. Chud, después de su estrepitosa salida de los Misfits, sacaron un disco muy bien logrado, Web of Dharma; si bien retoma muchos elementos que fueron desarrollados durante la etapa Misfits, el disco también se aleja de ese sonido e incorpora elementos melódicos y hasta progresivos pero con algo de popería que no siempre es de mi agrado. Pero el resultado encaja muy bien en la imagen que Graves construyó. Con ello quedaba claro, Graves podía continuar sin la ayuda y el respaldo de Jerry Only; del disco se destacan dos canciones: Attack of the Butterflies y Ophelia, se alejan del punk convencional  y del sonido comercial que caracteriza ese disco.
   
Al poco tiempo, Dr. Chud, por razones que nunca llegué a entender, salió de la banda para comenzar una carrera como solista; sacó un disco muy al estilo de los Misfits, su timbre vocal es muy similar al de Graves, además que más podía hacer, no pueden salir de la imagen que ellos mismos forjaron. Es un disco interesante pero desde entonces el baterista desapareció de la faz de la tierra y por lo pronto parece remota la posibilidad que algún día saque otro disco. Graves, sin dudarlo, formó una banda, Gotham Road, con la cual grabó una placa con un sonido más agresivo. Es una pena que la versión disponible tenga una pésima calidad de audio, es de lo mejor que tiene el vocalista. Seasons Of The Witch, es un disco más cercano al metal, si bien las limitaciones vocales de Graves son muy evidentes, es un disco que merece ser reeditado, es crudo y violento y corrosivo a nivel lírico, con ataques frontales al buen Jerry Only; cuando menos es la impresión que tengo. Establecer una banda es algo bastante complicado, el nombre Michale Graves atrae más público y por eso la banda tomó ese nombre. Punk Rock is Dead (2005), es un disco muy sólido, es el tipo de punk que me gusta escuchar; si bien a nivel lírico retoma los ejes temáticos de las películas clásicas del terror, también propone una reflexión introspectiva, en la cual Graves evalúa su legado y su rol dentro de los Misfits, mirando con estupor en lo que se han convertido. Punk Rock is Dead pudo ser su testamento musical y él lo afirma sin ambigüedades: “Punk rock is dead / I’m punk rock”. Eso sin mencionar la excelente, Butchershop, que se aleja completamente del punk; es una canción muy emotiva, sincera y en ella Graves canta una fuerza demoledora. 


Al año siguiente, salió Return to Earth, que añade algunos elementos góticos y con ello el vocalista cierra un ciclo en su carrera. Graves retorna a sus raíces, a su esencia como compositor. Illusions, grabado en colaboración con Damien Echols, cuya historia la dejamos para otro rato, es un disco acústico muy bien logrado. Graves canta con pasión y las letras nuevamente versan en la introspección, el horror y el recuerdo. Creo que es su mejor disco, más allá de las críticas, el maquillaje bufonesco y las referencias forzadas a películas serie B, Graves es un compositor genuino; Dig up her Bones, regrabada para la ocasión, cobra mucha fuerza en su versión acústica; así la compuso, para que suene de esa manera. También se destaca When We Were Angels, una canción cruda, terriblemente oscura, Graves también es un gran compositor lírico. En el disco impera un aire sombrío, casi diabólico y es lo más sobresaliente, la atmosfera que se cierne revelando nuestro temores y nuestras pesadillas. Para Graves fue un ejercicio necesario, hace las paces con su pasado. La etapa Misfits, lo convirtió en un personaje; con su guitarra y sentado en un taburete el vocalista recobró su identidad. Salió de gira, tocando en bares y pequeñas salas de concierto; y esa gira se extendió por un para años. Graves sacó dos lives acústicos una serie de demos y lives el 2007 (cuatro volúmenes en total) y volvió a la carga el 2013.  

Ese año Graves grabó dos discos, su regreso al horror punk, Lost Skeleton Returns, una retrospectiva de su carrera que incluye algunas canciones nuevas y la verdad es que suena bastante bien. Zombie y Last Man on Earth, rebasan por mucho cualquier cosa que los Misfits hayan hecho últimamente. Para todos fue una sorpresa que Graves reasuma su personaje, the skel-crow. Con su maquillaje y una nueva banda, salió de gira una vez más; también tuvo el tiempo de grabar otro disco, Vagabond; con un sonido fresco y contemporáneo, es un trabajo muy bien logrado. Graves, pudo rebasar el estereotipo, pudo reinventarse como músico y compositor, como vocalista y frontman. Al año siguiente, salieron dos discos más: Wanderer, en la misma línea musical que el Vagabond, es un punk contemporáneo con una producción impecable y un gran trabajo vocal. El disco siguiente Supernatural, copila versiones acústicas de algunas canciones del Lost Skeleton, con algunas composiciones nuevas de las cuales se destaca la extraordinaria  Straight Jacket. Ese mismo año, Graves cantó en el disco debut de Night of Samhain, una banda de horror punk rusa, pero si el resultado es bastante prometedor, Graves canta sin convicción y su voz pasa desapercibida en casi todo el disco. 

El 2015, Graves grabó un disco narrativo en el cual ambienta algunas historias clásicas de terror, nunca me gustaron los audio libros y por tanto no sé qué tal estará, pero es más una anécdota que una trabajo serio, al igual que las versiones acústicas de los discos ya mencionados. When Worlds Collide, está más cerca del metal aunque mantiene la producción y el sonido que desarrolló con el Vagabond; estamos lejos de la brutalidad de los Misfits, y del ya legendario Punk Rock Is Dead, pero el disco se deja escuchar. Es una mezcla de varios estilos, de continuidades narrativas, de nostalgias; Graves ya no es el jovenzuelo que alguna vez cargó el peso de Glen Danzig y soportó el humor errático de Jerry Only; ahora es un compositor confiado, maduro, algo arrogante en el fondo. Detrás, se yergue la desesperanza y el recuerdo pero ahora el vocalista lo asume con orgullo; es un ícono del punk. De un punk más limpió y refinando pero que mantiene el cinismo y la irreverencia.

“I’m sorry, I wrote another letter
Sayaing how much I want to die 
All the horror movies 
Are real in my mind”


martes, 10 de mayo de 2016

Recomendaciones Breves

Para esta nueva y tercera entrega del año de pequeñas recomendaciones, tengo para compartir 4 variados nuevos discos interesantes que han ido saliendo este 2016, año que se perfila como muy bueno por el momento.

Reptilian – Perennial Void Traverse (2016)


Uno de los movimientos que más atención y seguimiento he realizado en los últimos años, ha sido este “resurgimiento” del death sueco/noruego clásico combinado con nuevos elementos progresivos y justamente de una “nueva escuela” de bandas como Tribulation, Obliteration, Morbus Chron (RIP), Execration, que con sus excelentes discos han afianzado de la mejor manera una vez más, al death escandinavo.

En esa línea y para quienes como yo estén interesados en seguir descubriendo bandas del mencionado estilo, debemos sumar una joven banda noruega que este año acaba de sacar su disco debut, Reptilian. Este “Perennial Void Traverse” contiene 6 canciones de larga duración que se convierten en odas a la muerte y a cultura azteca; donde estos músicos demuestran toda la escuela a la que pertenecen y al mismo tiempo aportan con sus propias ideas a este maravilloso “resurgimiento”.


Head of the Demon – Sathanas Trismegistos (2016)


El dúo sueco de los Head of the Demon, dedicados de lleno al culto de la oscuridad, lanzaron este año su segundo disco, a través de los Ajna Offensive. Un disco de dark metal sorprendente, donde en sus 6 temas con un promedio de 7 minutos de duración, desarrollan elementos del doom, del heavy y del black amalgamados de manera sencilla, una manera que se hace difícil dejar de escuchar. Cada riff y cada melodía proveen una atmósfera simple pero densa, casi como un aura oscura del disco, donde la energía es fuerte e hipnótica, haciendo que escuchar el disco sea toda una experiencia.


Terminus – Safe Travels, See You Never (2016)


 Terminus es una banda joven proveniente de Arkansas que muy en la vena de los excelentes Moon Tooth, han logrado elaborar un disco con una musicalidad e instrumentación sumamente intensa y asombrosa; con claras influencias de bandas como Mastodon, Baroness y en cierta medida Dream Theater… las 10 energéticas canciones que componen el disco se presentan con un aire sorprendente, los elementos progresivos dominan los cambios de ritmos y la pesadez de las melodías.
 
Pero la clave de esta banda está en la voz de Julian Thomas, quien además es uno de los guitarristas, y que tiene un timbre muy particular, similar al de Geddy Lee de Rush y en menor medida a la de Gavin Hayes de los Dredg y puede que a muchos rockeros haga que las cosas cambien para mal. En mi caso, ya acostumbrado a la voz, realmente creo que este disco es bueno, y puede colocar a la banda entre una a seguir.

   
Messenger – Threnodies (2016)


Banda londinense compuesta por Khaled Lowe (Guitarras/Voces); Barnaby Maddick (Guitarras/Voces); Jaime Gómez Arellano (Batería/Percusión) gran productor colombiano de bandas como Oranssi Pazuzu, Ulver, Primordial, Solefald, Paradise Lost, Ghost, solo por nombrar a las grandes…; Dan Knight (Guitarras/Teclados); y James Leach (Bajo); que acaban de sacar su nuevo y segundo trabajo.

Messenger toca una mezcla entre prog, blues, hard rock, doom, y rock clásico, convirtiendo este “Threnodies” en un disco muy particular, y que puede alegrar a más de un fan de bandas como Anathema, Porcupine Tree e incluso Pink Floyd. Melodías, ritmos, letras muy trabajados, para lograr tranquilidad para quien se adentre en el disco.


En definitiva uno de los discos que más he disfrutado en lo que va del año.  



lunes, 2 de mayo de 2016

Darkestrah - Turan (2016)


Para los que al igual que yo no podrían situar Kirguistán con exactitud en el mapa, aquí les doy una ayuda.

Se encuentra en la zona de Asia Central conocida justamente como Turan, título del disco. Kirguistán formó parte de la Unión Soviética y es un país caracterizado por sus paisajes montañosos y desérticos, nación sin salida al mar y poseedora de una fuerte cultura ancestral. Cualquier parecido con nuestra realidad es coincidencia.

Entre la nostalgia y la fuerza, Turan, está estructurado por seis canciones largas que bordean los 8 minutos en promedio, lo que tal vez puede llegar a incomodar a los más impacientes.

One With the Great Spirit” comienza con el folklore que funciona como espejo de la Naturaleza, un relato en lengua local desemboca en un arrebato de tensión y contra-tensión musical. Las imágenes que se invocan son poderosas. Uno puede notar que este no es el típico disco de black metal, la producción es sorprendentemente cristalina y los teclados forman parte importante beneficiando a la atmósfera y permitiendo a los demás instrumentos alterar la percepción.

Erlik-Khan”, título de la segunda canción, fue el primer ser humano creado por el buen Dios Bai-Ulgan. Erlik-Khan por soberbia revelase contra Ulgan, por lo que fuese castigado y enajenado, constituyéndose en una especie de Dios de la Muerte ¿Suena similar a un mito conocido no? Tengo que mencionar aquí que Darkestrah tiene un nuevo vocalista alemán para este disco y vaya que tiene fuerza.

Magníficos teclados revelan armonías como en la primera mitad de “Conversations of The Seer” (Seer = Vidente). En cambio en “Gleaming MadnessDarkestrah se sirve de afiladas guitarras para apuntalar hacia esa “reluciente locura” que te envuelve. Mientras que en “Bird Of Prey” resalta la utilización de los toms de la batería, instrumento que nos entrega ritmos acompasados, en una canción que casi podría ser descrita como hermosa. Al igual que “Erlik-Khan”, termina con violines y un entorno de viento invernal que sirve de transición hacia la última canción, “The Hidden Light”, confirmando que los Darkestrah poseen un excelente sentido de la melodía.

Queda claro que me siento más cómodo e inclusive me identifico más con este disco, que por ejemplo con discos de bandas de extrema derecha de Europa del Este, pese a que la mayoría de sus rasgos estilísticos están aquí. Turan contiene un explícito trasfondo chamanístico, puro y atávico. Es más, para los que vivimos en Los Andes, se nos hará poco trabajo dibujar puentes hacia algunas sensaciones que el disco contagia y más bien ya sería hora de que más bandas aprendan a globalizar su cultura a través de discos como este ¿No es gracias al metal y sobre todo al black metal hoy en día, que la música ancestral se mantiene viva, evoluciona y se exporta al mundo?



miércoles, 27 de abril de 2016

Sunwølf – Eve (2016)


¿Escocia? Extensas praderas húmedas, con un clima templado a frío en las tierras bajas. Una isla, con numerosos lagos, y de ellos, indudablemente el Lago Ness es el primero que se nos viene a la memoria.

Si, Escocia. Y resulta curioso que después de revisar en mi material y además realizar una búsqueda por el internet, caigo en cuenta que prácticamente no tengo ni una sola banda escocesa y de hecho creo que tampoco hay bandas escocesas muy conocidas en la escena mundial. Por ello, este disco, realmente fue una gran sorpresa para mí y más aún, teniendo en cuenta que este ya es el cuarto álbum de esta banda.

En estos tiempos, resulta casi imposible crear estilos nuevos, existen muy pocas bandas que sean completamente innovadoras. Por tanto, el resultado es que en general, una buena parte de las bandas nuevas que escuchamos, sea cual sea el estilo, o resultan ser copias de algún estilo estancado hace décadas sin ninguna intención de salir del molde preestablecido, o por el contrario son bandas que tratan de crear algo nuevo, resultando ser híbridos medio eclécticos que a la larga, están plasmando sus influencias, dándoles una identidad propia.

Sunwølf, es una banda que va por esta segunda línea. Por ello, este disco es un tanto novedoso. Básicamente, es ambient-post entretejido con muchos otros estilos. Y como comentamos siempre en el Abismo, el ambiente también te determina.

Eve, es un disco que en cierta manera, es un reflejo del entorno de donde proviene esta banda. Fieles a su tradición geográfica, este disco es totalmente nostálgico, es contemplativo, es frío, es como si se tratara de una catarsis, una extensión del espíritu para conectarse con su tierra, con sus orígenes, con su esencia.

Yendo a lo musical, tenemos toda esa música ambiental como hilo conductor, pero con algunas influencias del post-rock bien marcadas, más que nada en las atmósferas que se van creando a lo largo del disco. Las primeras canciones por ejemplo, van en una onda más post blackera, que recuerdan mucho a Alcest, Lantlos o a los mismos Deafheaven.

Después el disco se va soltando más, se va poniendo más acústico y ambiental, hasta que llega precisamente al tema Eve, que es la canción más introspectiva del disco. Y de allí para adelante, el panorama vuelve a cambiar. Las últimas canciones van rozando el doom, pero en un estilo muy peculiar, que sin embargo recuerdan mucho a Earth, principalmente por esa repetición de melodías.

En resumen, un disco interesante y diferente, que fusiona diferentes estilos contemporáneos, adaptados a un propio contexto. Todavía es muy pronto para ver si se perfila como para el top del año, pero en todo caso, es un disco que no defrauda en una primera escuchada.