miércoles, 21 de septiembre de 2016

Deep Purple – Long Beach 1976 (2016)



La desastrosa gira de 1975/1976, es un periodo que me fascina; tanto así que lo convertí en cuento (El último vuelo del Fénix). Hace seis años ya, el primer artículo que escribí para el Abismo fue sobre el Come Taste the Band (link del post) y ahora que estamos de aniversario creo que es propicio retomar esa línea narrativa. Para una banda que construyó su reputación en los escenarios, fue una sentencia de muerte. Tommy Bolin pudo encajar en Deep Purple y ahora sabemos que la banda puede funcionar muy bien sin Ritchie Blackmore; pero en ese entonces era mucha la presión y Bolin no supo cómo manejarla. Se dejó cegar por sus adicciones; el resultado  lo sabemos, el colapso de la banda y la muerte del guitarrista. 

Desde hace ya algunos años earMUSIC y Edel Records se embarcaron en la tarea de reeditar parte del catálogo de la banda bajo el rubro de Live Overseas Series. Nada nuevo en realidad. La únicas rarezas de la serie son el Long Beach 1971, el único documento que tenemos de la gira del Fireball y el Graz 1975 aunque muchas de las canciones fueron utilizadas en el disco Mk III the Final Concerts. Si bien hay una clara mejoría en la calidad del sonido y muchos de estos conciertos tienen material extra, eso sin mencionar que el packing está muy bien diseñado, sigue siendo bastante decepcionante pues lo que esperamos con ansias es material nuevo.

El Long Beach 1976 muestra muy bien todo el potencial del Mk IV. Paice es una máquina endemoniada, nunca más tocaría la batería con esa furia; Lord, un poco más discreto, que en otros conciertos es quien lleva la batuta; Hughes como siempre desbordando de entusiasmo, tal vez se le pasa la mano cuando chilla en el micrófono pero es el mejor bajista que ha tenido Deep Purple; Bolin fue un gran guitarrista y un gran compositor, aquí suena muy bien y realmente es una pena que no haya podido controlar sus adicciones; Coverdale es uno de los mejores vocalista de todos los tiempos y en cuestión de meses tomó el control de la banda para reclamar para sí el sitial de Ian Gillan, aquí no me gusta mucho como canta. Coverdale y Lord lo intuían, por eso se muestran distantes, desmotivados. Coverdale canta más por obligación. 

No obstante, este es uno de los documentos más interesantes en el enorme catálogo de la banda. Le hace justicia al nombre de Deep Purple, salvaje y ruidoso; queda claro que el riff de Burn sólo lo puede interpretar Blackmore, hay suficientes versiones en vivo que dan testimonio de ello. Cuando Bolin lo hace no tiene la misma agresividad, no es su estilo pero comienzan una gran versión de Burn, con los solos invertidos, primero ataca Lord y luego Bolin entra a la batalla y la verdad es que me encanta la forma como toca el solo. Lady Luck, funciona muy bien en el disco, en vivo creo que la podían haber omitido; por cierto Coverdale canta horriblemente mal en esta versión. Gettin’ Tighter, es uno de los puntos más destacados del concierto, ejemplifica muy bien lo que era Deep Purple: las extensas improvisaciones, un sonido más rudo y potente que su contraparte en estudio, con Bolin y Hughes intercambiando solos; si algo define al Mk IV es está canción. Love Child funciona muy bien en vivo y Jon Lord hace un gran trabajo, le da mucho cuerpo a la canción; ahí queda claro que Bolin y Lord podían complementarse muy bien. 

Antes de la gira se discutió mucho sobre las canciones que podían y deberían entrar en el set; Hughes nunca estuvo muy cómodo tocando canciones del Mk II, Bolin tampoco se sentía muy cómodo interpretando las canciones de Blackmore, pero llegaron a la conclusión que no podían obviar esa etapa de la banda. Smoke on the Water, la canción más emblemática y uno de los himnos del rock, suena muy diferente aquí, pero no es una mala versión, Coverdale canta muy bien, siempre me gusto que Coverdale cante el primer verso, Hughes el segundo y que juntos retomen el primero. Bolin parece confiando cuando la toca pero la segunda parte de la canción, con Hughes chillando una versión de Georgia on my Mind no me parece una buena elección. Pese a ello, es una excelente versión, muestra todo el potencial de la banda.

La sorpresa de la gira fue Lazy, la incorporaron pues es una canción más al estilo de Tommy Bolin, suena muy diferente también, pero Bolin hace un gran trabajo y reemplaza a You Fool no One en el set; comienza con un solo de teclados bastante raro, no me gusta mucho lo que hace Lord aquí, me impresiona más la brutalidad que mostraba durante el Mk II, no es un despliegue técnico, es una exploración de sonidos que a ratos se torna tedioso; después viene el solo de batería, muy sólido como siempre, me encanta el sonido de la batería de Paice en este periodo y luego enganchan con una de las canciones de Bolin, Homeward Strut. Encaja muy bien en el estilo del Mk IV y cierra el primer disco. Sin duda es un gran set y la banda está en muy buena forma. Lo complicado sin duda es adaptarse a este sonido, no se asemeja para nada a lo que fue Deep Purple el 72, por citar un ejemplo; tiene reminiscencias de esa otra banda y es lo que explica, en parte, el fracaso de este line-up, lo otro fue su inconstancia; unas noches funcionaba muy bien y las demás era un desastre. 

This Time Around abre el segundo disco; tampoco me parece una buena elección, es la única canción compuesta por Hughes y Lord pero en estudio suena mucho mejor, aquí es más un ejercicio vocal para Hughes y su voz me irrita, la segunda parte de la canción, Owed to G, la única compuesta únicamente por Bolin, muestra muy bien las habilidades del guitarrista. Le sigue un solo de guitarra muy raro, Bolin titubea, no sabe muy bien por dónde ir y esos detalles le costaron muy caro, el público nunca le perdonó esos errores. Para 1975 Blackmore fácilmente era uno de los cinco mejores guitarristas, Bolin no podía competir en esa categoría. El resultado no fue tan desastroso, pero se tiene un mal recuerdo de esa gira; y sin embargo aquí está la mejor versión de Stormbringer. La canción cobra otra dimensión y Bolin hace un gran trabajo, lo que me gusta en Purple es la improvisación, la forma como cambian las canciones en el escenario. Es una excelente manera de cerrar el concierto, tomando una canción de Blackmore pero adaptándola al estilo del Mk IV; la banda vuelve a escena para una canción, una reapropiación de Highway Star que da la impresión de ser otra canción, hasta le cambian la letra, algo que nunca fue del agrado de Jon Lord. Sin duda este es  el mejor concierto que tenemos del Mk IV. 

En esta edición, al igual que en las anteriores, hay tres canciones extras: Smoke on the Water, Going Down y Highway Star, tres versiones interesantes y es una pena que no dispongamos del concierto en su totalidad, sería más interesante escucharlas en ese contexto. En realidad esta reedición, junto con la serie, son una gran decepción; sabemos que existen más conciertos del Mk IV, incluyendo el famoso concierto en Miami 1976, que nunca fue editado pero que sigue circulando por ahí. Uno de los aspectos más interesante de esta gira era que el set cambiaba con bastante frecuencia, entre el Tokyo 1975 y el Long Beach 1976 hay una clara diferencia en el set y también el sonido, en el concierto de Tokio, Bolin no estaba en su mejor momento y deja un vacío incómodo en el sonido. El otro documento que salió de la gira es el Phoenix Rising, un documental muy bien hecho, con testimonios de Hughes y de Lord, narra muy bien la autodestrucción de la banda. Con ello se cierra un capítulo hasta 1984, pero esa es otra historia y en su momento también le daré continuidad.  


lunes, 19 de septiembre de 2016

Breves Recomendaciones # 6

Blood Incantation – Starspawn (2016)


Si bien este disco merece una revisión más exhaustiva a la presente, no quería dejar de mencionarlo debido al impacto que ha tenido en mí y en muchos de los que lo han escuchado y asimilado. En su debut, estos cuatro músicos provenientes de Denver, han logrado un trabajo que con toda seguridad estará entre los mejores discos de death metal del año; en un año además, plagado de excelentes discos death, este “Starspawn” es un disco épico, brutal, complejo, denso y con una tecnicalidad sorprendente y con nociones de lo ambiental y opresivo al mismo tiempo, donde el espacio es el lugar del principio y el final de absolutamente todo…


Subrosa – For this we Fought the Battle of the Ages (2016)


Solo el tiempo dirá si este disco es el mejor de la banda, pero en todo caso, es el disco donde Subrosa ha conseguido a través de su majestuoso doom y sus largas canciones establecer esa identidad a la que muchas bandas todavía buscan y la mayoría de las veces no encuentra. Inspirados en la novela We de Yevgeny Zamyatin, la banda pone a prueba una vez más al oyente y lo invita a formar parte de su universo, ese oscuro, abrumador pero hermoso universo.


Barishi – Blood from the Lions Mouth (2016)


Habiendo nacido como una banda instrumental en el 2010, para luego dos años después incluir a un vocalista que pudiera participar de su debut del año 2013, la banda ha sufrido algunos cambios importantes en su sonido, hasta convertirse en lo que hoy en día son, una banda progresiva de metal. Con ocho canciones que tienen de todo, partes suaves, agresivas, experimentales, pesadas, progresivas, melódicas, este segundo disco de la banda los coloca como otra de las buenas bandas actuales de esas pocas que mezclan de todo y con mucho éxito.


Helms Alee - Stillicide (2016)


Helms Alee, es una banda que siempre intenté que me gustase, con todos los elementos para que eso suceda: sludge con toques progresivos, voces femeninas y masculinas en canciones que se toman su tiempo para desenvolverse para luego llegar al clímax, pero que no me lograban cerrar en sus anteriores trabajos… así no llegué a encontrar una relación cercana ni fuerte como para quedarme con sus discos y que sean parte de las bandas que se quedarán en mi discoteca. Pero con este “Stillicide” encontré por fin esa conexión que me faltaba para sostener a la banda con el tiempo; siento que las composiciones y la ejecución musical son las más sólidas de la banda en lo que va de su carrera, es decir, este es el Helms Alee que imaginaba y quería.


jueves, 15 de septiembre de 2016

10 años del Abismo Blogzine


Un 15 de Septiembre de 2006, nació el Abismo Blogzine en las profundidades de Sopocachi, nació a raíz del Metal Newsletter que tenía y de la necesidad de tener un "lugar" donde compartir información referida a conciertos en la ciudad, el país y noticias sobre la escena metalera mundial. Fue una época en donde escuchaba mucho black metal y el nombre del blog era Abismo 666, era un cacho sarcástico y provocativo pero al mismo tiempo era subversivo, no pretendía ser ateísta y menos satanista, la religión siempre fue algo irrelevante para mi. 

Primer post publicado (15.9.2006)
Este fue el primer post publicado que luego fue editado para poder incluir información de los últimos números del Newsletter (link actual primer post). Si ingresan al link actual podrán observar la vista del nevado Illimani desde mi ventana, esa siempre fue una imagen de inspiración y es, aún hoy en día, un sentimiento muy profundo de pertenencia el que me liga. 

Empecé no solo a promover conciertos sino además a escribir reviews sobre los mismos y sobre álbumnes. Recuerdo que MySpace aún era popular y se podía conseguir contactos de todo el mundo, además de sus famosos playlists, habían otros sitios como Hi5 y no se cuantos más, pero luego todos tendrían que dar paso a Facebook, que sigue liderando. Ya que no habían muchas páginas en ese entonces, los blogs eran algo novedoso por lo que fue también fácil conocer otros fuera de Bolivia y así conseguir contactos con bandas de Sudamérica. 

En 2007 realicé el primer Death Metal Fest, esa primera gran experiencia y otras no tan gratificantes dieron el empuje para que paralelamente organizara el proyecto del festival Illimani Metal en 2008. El Abismo se mantuvo presente como respaldo no solo a estos proyectos sino que además empecé a realizar entrevistas con bandas nacionales y extranjeras. 

Tuve la suerte de conocer gente que me ayudó con el diseño, como Juan Carlos Gómez (Mezgho) de Arequipa, Perú y posteriormente hasta la actualidad Cesar Jurado (Ceso), quienes también fueron colaboradores. Incluso el logo, fue un aporte del Chichenio, conocido tatuador y quien es además autor de mis tatuajes :-D.

Cabecera en 2009 realizada por Mezgho, diseño logo Chichenio
En 2009 mi amigos Diego Machicao (Machi), Sebastián Campero (Sebas) y Diego de la Quintana (Dieguex) comienzan a escribir como colaboradores. Este paso fue decisivo para definir el rumbo que el Abismo tomaría a futuro y así priorizar las reseñas sobre discos y conciertos, además de entrevistas. Otras páginas por entonces ya cubrían los eventos metaleros nacionales (como la página del muy recordado Coco Arduz), lo que actualmente es mucho más fácil en plataformas como Facebook o LastFM. 

Convertirnos en un blogzine como tal, nos dio la confianza que necesitábamos. En 2010, me vine a Alemania por motivos de estudio pero gracias a las ventajas del internet todo siguió su rumbo. Ahora yo podría cubrir eventos con los que en mi adolescencia soñaba. Ya en La Paz había despertado mi interés en la fotografía y los conciertos me sirvieron para practicar, ahora podría utilizar esa experiencia y ofrecer en los reviews, además fotos. El sentimiento de ver a las bandas ahí delante y a través de la cámara es algo que no puedo describir pero exige también dedicación, quizás muchos piensan que en los festivales ando en fiesta todo el día, pero en realidad es un trabajo laborioso: entre preparar todo el equipo, estar todo el día de escenario en escenario, programar las bandas, realizar reseñas, editar fotos, etc. 

Artwork del primer Abismo Metal Party
Vienen tantos recuerdos a mi mente de todo este tiempo, pero uno que me gustaría compartir es el de finales del 2013, cuando estaba de vuelta por allá. Pude, después de tiempo, ser parte de las tradicionales sesiones metaleras del Abismo (sin duda algo que extraño mucho), conocimos a George (Jorge Valda se sumaría al equipo en 2011) y a manera de bienvenida para ambos, disfrutamos de una inolvidable sesión metalera en la casa del Sebas. Estas nunca fueron solo para escuchar música, sino también para hablar sobre muchos temas o discutir a quien le tocaba la siguiente canción, aunque tratamos de ser democráticos a veces no se podía, pero sobre todo son para compartir nuestra pasión. Bueno para resumir, ese día alguien acabo durmiendo en una hamaca, mientras otros realizaban una batalla para decidir si el nuevo Cult of Luna o el Deafheaven era mejor y para rematar alguien de una patada hizo volar la torre de latas de cerveza que tanto trabajo costó. 

Quiero agradecer a todos y cada uno de las personas que han apoyado al Abismo durante todo este proceso, de principio a fin, a los varios amigos que comparten de vez en cuando algún post o sus tops, y otros que alguna vez me ayudaron/ayudan con el diseño de la página. A todas las bandas que me permitieron no solo cubrir sus eventos sino parte de sus vidas a través de las entrevistas, son muchas para mencionar. A los organizadores de conciertos y festivales que me han permitido cubrirlos y al mismo tiempo vivirlos. Este sitio me ha dado mucho y no podría estar más satisfecha, lo que no significa que no se pueda mejorar. Estamos trabajando en el nuevo sitio, para lo cual quizás nos gustaría tener un par más de colaboradores. Si alguno se anima avísennos!. 

Torta oficial del aniversario del Abismo (chocolate, whisky y café)
Mañana viernes se realizará allá en La Paz una sesión especial abierta (mayor información en el link del evento). Los que asistan podrán disfrutar de playlists que cada uno de nosotros realizó, es un resumen de una década de música, música que ha marcado el camino de este sitio web. Siento profundamente no asistir pero bueno al igual que los demás estaré festejando por algo que me enorgullece. El Abismo empezó como un blog personal y 10 años después se ha convertido en un página de referencia musical no solo en Bolivia (con una gran porcentaje de visitas de Sudamérica, Norteamérica y Europa), con más de 800 artículos escritos y un promedio 1700 vistas por día. 

Finalmente para terminar este emotivo post, quiero compartir algunas palabras de los moradores del Abismo:

"Formar parte de este blog, durante 7 años, ha sido para mí, además de una grata experiencia, algo necesario; teniendo en cuenta el nivel de melomanía que nos posee a todos los moradores del Abismo, el compartir, comentar y discutir sobre la música que escuchamos y que constantemente buscamos, se convirtió con el tiempo en una forma de canalizar sensaciones y sentimientos que sólo la música provee. En este sentido, y pensando en los siguientes 10 años, con la clara idea de seguir creciendo y ofreciendo más cosas a nuestros lectores, agradezco a la Krups, al George, al Dieguex y al Sebas por ser parte de esto que de verdad es importante para mí y que nos ha consolidado como un grupo de cuates que se unieron a partir de algo clave de quienes somos: el metal, la música. Un abrazo fuerte para todos!!! Salud por los 10 años del Abysss!!!" (Machi).

"Hace seis años me adentré en las profundidades del Abismo, sin saber muy bien lo que iba a encontrar y sin saber si realmente iba a encajar. Con un poco más de confianza reanudé los lazos con mi pasado, con ese ayer tan lejano, del cual renegué y del cual quise librarme. Ahora sereno y gallardo contemplo satisfecho mi morada en el Abismo pues me permitió consolidar una amistad y ensanchar las barreras de mi horizonte musical. Por ello estoy agradecido con estos cuatro individuos que me brindaron cobijo. Saludos" (Jorge).

El Equipo Abismo en 2011: Sebas, Machi, Krups y Dieguex
"Diez años del ABISMO BLOGZINE!!! ... como pasa el tiempo, para mí este ya es mi séptimo año trabajando y construyendo este colectivo. Me parece que fue ayer cuando la Krups me invitó a formar parte de esta familia, porque así es como yo lo veo y lo siento. En el transcurso de todos estos años, el blog se ha convertido en una especie de oficina, un lugar de trabajo, donde subimos material, reseñas; un lugar desde el cual revisamos información, vemos que sucede en otros blogs, como una ventana al resto del mundo. Sin embargo, para mí este Blog, es también un lugar de “encuentro” (el Taypi como le dicen en el mundo andino, y es que después de todo, esto somos y de aquí venimos… de los Abismos más profundos de los Andes!!!), un lugar en el cual compartimos e intercambiamos ideas con el resto de los seres abismales que aquí habitamos.

Es interesante como al leer nuestros post antiguos, podemos ver cómo ha ido cambiando la música a lo largo de todos estos años, las tendencias, las bandas. Ver cómo ha ido cambiando y evolucionando el mundo del metal, y como también nosotros hemos ido cambiando y madurando. Es una satisfacción enorme, ver como poco a poco y con mucho trabajo claro está, el Abismo Blogzine ha ido creciendo con el tiempo, como de haber sido un blog local y muy regional en un principio, es ahora un blog que se ha ganado un nombre, y la muestra de ellos son las miles de visitas al blog, no solo desde Bolivia y Sud América, sino desde el resto del mundo. Agradecer a todos nuestros amigos, que día a día nos visitan y nos dan el apoyo para seguir adelante… ustedes saben quiénes son!!! Gracias a la familia del Abismo, gracias a ustedes hermanos, por ser lo que somos, melómanos empedernidos y amantes del metal!!! Y finalmente, gracias Krupsky, por habernos hecho parte y juntarnos en este Abismo!!! (Dieguex).

miércoles, 14 de septiembre de 2016

Recomendaciones - US Black metal (2016)

Hace buenos meses que vengo insistiendo, en que este es un gran año para el USBM. Posiblemente, hace algunos años, la bandera de este movimiento la portaba Nachtmystium; era la banda indiscutible, la más vanguardista de la escena y la que dio las pautas para una revolución y renovación del black gringo. Tal vez estoy siendo un poco exagerado en mí apreciación, pero es un hecho que el black metal gringo tiene un antes y un después con relación a Nachtmystium; Blake Judd le dio el sentido de “post”, un sentido de contemporaneidad.

El USBM ha ido evolucionando y mutando. Hace una década, el black metal era incipiente en los Estados Unidos, las bandas que había a principios del 2000 no eran tomadas en serio, salvo alguna que otra excepción. Muchas bandas de las primeras generaciones, tenían toda la pose black, pero en definidas cuentas, eran un death metal con aires black. Ahora, casi una década y media después, nos encontramos con que la escena del USMB, es una escena ya bien consolidada, con bandas y estilos cada vez más diversos. Es una escena que pese a todas sus diferencias y variedades, tiene una identidad propia y definida. Muy diferente a la escandinava y europea en general.

Siguiendo en esta línea, les presento algunas de las nuevas propuestas del USBM que me sorprendieron en estos últimos meses:


Pestifere - Hope Misery Death (2016)


Uno de los discos que más estuve esperando. Procedentes de Minneapolis, Minnesota, esta banda nos presenta un excelente black metal.

Black metal, melódico, virtuoso y oscuro, como debe ser. Por momentos me hacen un poco de recuerdo a Dissection en especial en algunos riffs, pero guardando las diferencias, Pestifere tiene su propia línea. Fundamentalmente ortodoxo, alterna de manera efectiva riffs bien tirados al thrash metal y al death melódico, muy bien trabajados. Y estas partes, son las que precisamente le dan la intensidad al disco.

Las partes más ambientales, se abren a otro plano, con atmósferas y solos muy bien desarrolladas y partes que incluso podrían rayar sutilmente en lo progresivo. 
Un disco que vale la pena escuchar.



Mavradoxa – Sojourners (2016)


La banda más interesante de estas tres recomendaciones. Procedentes de Rochester, New York, esta banda creo que podría definirse plenamente como post-black.

Inevitablemente nos recuerda a Agalloch. No es tan oscura, pero tienen es onda post-rockera. Las melodías y los riffs son más sueltos, lo que hace que las canciones se abran y sean más libres.

Y es que como decíamos muchas veces, el black es un género que está en constante dinámica y evolución, es un estilo que sigue incluyendo y fusionando diversos estilos bajo un género más amplio. Así pues, en este disco, no debe sorprendernos escuchar riffs y melodías que fácilmente nos pueden sonar al alternativo o al post-punk.

Esta banda es además, una muestra de la consolidación del sonido de New York, que poco a poco se va consolidando, como una escena que ya empieza a tener un sello propio.

Dato extra, no se debe dejar pasar el extraordinario trabajo de la baterista Monica Finger, excelente!!!



Anosia - Angel's Harvest (2016)


Esta es una banda de Raleigh, North Carolina. Bueno, asumo que es una banda, pero en realidad no me sorprendería que sea un proyecto en solitario. Digo esto, porque prácticamente no existe ninguna información sobre esta banda, salvo referencias a dos demos anteriores y a este álbum debut.

Este disco, tiene cosas diversos elementos que se contrastan entre sí. Como lo dicen ellos mismos en su Bandcamp, la banda va desde el Black, hasta el dark ambient, pasando por lo sinfónico. Y pareciera que así es.

Las partes más blackeras, como por ejemplo la Burning Witch And Pale Blue Sky Pt. 1, me hacen recuerdo a ese black tipo Satyricon del Dark Medieval Times, que tiene ese ambiente frío, oscuro y siniestro, pero que en este caso con la incorporación de ese coro femenino, le da un aire hasta glorioso.

Por otro lado, tiene partes muy ambientales, se escucha la lluvia o el canto de aves. Tiene otras partes más ambientales, tiradas al neoclásico y otras, que me animaría a decir que rayan en lo contemplativo. Una combinación interesante.

Lo único que no me gusto de este disco, es la batería programada que usan en algunas  de las canciones. Es precisamente mucha máquina, es una marcha muy mecánica, no hay pausa y las canciones no terminan de respirar.


miércoles, 7 de septiembre de 2016

Roger Waters - The Wall (2015)


Era necesario verlo y quedé pasmado; pese a que hay suficiente material de la gira, hoy en día se pueden grabar bootlegs con una calidad de imagen y de sonido extraordinario, verlo nuevamente genera el mismo impacto, es un choque emocional que sacude los cimientos de lo que soy o de lo que pretendo ser. Crecí escuchando a Pink Floyd, aunque como disco el The Wall no me termina de convencer, no podemos negar que fue el espectáculo más extraordinario de todos los tiempos. La idea fue colosal, a la altura Pink Floyd; pero incluso para ellos fue difícil ponerlo en práctica. Sólo se llevaron a cabo treinta y un conciertos en tres ciudades, incluyendo las once fechas en el Earls Court de Londres, presentaciones que fueron grabadas. Hasta ahora no se sabe muy bien por qué ese material no fue utilizado, hay muchos rumores al respecto, algunos fueron confirmados y otros desmentidos, pero al parecer Waters nunca estuvo satisfecho con la calidad del video ni con el desempeño de la banda. Tuvimos que esperar veinte años para tener la pista de audio. 


The Wall fue concebido como una orgía visual y por ello la versión en estudio se queda chica, la música se comprime al máximo, para encajar en dos discos. Por eso la versión en vivo es más interesante, restituye la música tal y como fue concebida, si bien el booklet del Is there Anybody Out There? tiene muy buenas fotos, y el Immersion Box Set igual y algunas partes del video, hay algo que se pierde irremediablemente y es una pena que no tengamos una versión visual del espectáculo, el más ambicioso y caro de ese momento; la gira del The Wall, fue un fracaso en términos estrictamente económicos pero sienta un precedente sobre el cual tendrán que medirse todas las bandas. 


Tenía once años cuando vi la versión de Roger Waters en conmemoración a la caída del muro de Berlín, demás está decir que quedé deslumbrado. Era una locura ver como construían el muro frente a la banda, es algo que siempre recordaré; y para la última canción del primer set, con Waters cantando en el único espacio libre y al finalizar se cierra el muro, es una imagen demasiado fuerte. La llegada de Waters en helicóptero y la banda militar que interpreta Bring the Boys Back Home, fue lo más impresionante que vi. En retrospectiva, a nivel musical no me gusta mucho, rara vez lo escucho pero si lo veo de cuando en cuando. No deja de ser una gran proeza técnica, pero nunca será lo mismo ver a Waters que a Pink Floyd; creo que en la batalla él perdió. Una fuerza creativa desgastada; si bien no se resolvió a puñetazos, los tribunales tranzaron. Waters intentó asesinar a Pink Floyd, pero no pudo hacerlo porque la banda era una entidad que lo rebasaba en fuerza y tamaño. Es la victoria de Gilmour, si el A Momentary Lapse of Reason es más un disco de solista, como lo es el Final Cut, el Division Bell y el Endless River son discos de Pink Floyd y la banda funcionó muy bien sin Roger Waters.


Si The Pros and Cons of Hitch Hiking, es un disco excelente, el Radio K.A.O.S. se queda corto y el Amused to Death a nivel narrativo es muy bueno pero no me termina de convencer. Incluso en vivo, Waters armó una banda muy sólida pero suena como un Pink Floyd cojo y malhecho; y algo que el bajista nunca pudo hacer fue encontrar un vocalista a la altura de Gilmour. Todo lo que hizo, los años que pasó enemistado con la banda no sirvieron de nada pues The Wall es la obra por la cual Waters será recordado y es un disco de Pink Floyd. Por eso, cuando se inicia el In the Flesh Tour, a mediados de 1999, la primera gira en doce años, en el afiche promocional se recalca el hecho que Waters es el genio creativo detrás de esa banda; una verdad a medias pero es lo que necesitaba para salir del letargo. La gira del Division Bell termina en octubre de 1994, después la banda cesó actividades pues habían llegado a su punto culminante, nada más podían hacer; eran irrelevantes a nivel musical, la crítica fue unánime y contundente. Dos giras extensas, los conciertos más grandes y más recordados de ese periodo, los estadios colosales y la fatiga. Sin que nadie lo advirtiera Pink Floyd dejó existir y Waters cubrió ese vacío.


No deja de ser irónico, The Wall fue concebido como una metáfora de la alienación de la banda frente al público; en la ausencia del rosa se imponen las aguas. El bajista que vuelve a los escenarios, a los estadios enormes y las giras monstruosas; el espectáculo dantesco, inverosímil en su magnitud. Los roles invertidos y ahora Waters parece disfrutarlo. El In the Flesh Tour se extendió por tres años, ciento cinco conciertos en total; su gira más exitosa hasta ese momento. Cuando la banda se reúne el 2005, para tocar un set de veinte minutos, muchos avizoraron una gira; pero Gilmour fue tajante, él ya superó esa etapa de su vida y puede hacer lo que le venga en gana. Puso en marcha el Endless River como un tributo a Richard Wright. Era necesario cerrar ese ciclo volviendo a las raíces mismas del mito floydiano; en lo personal me encanta ese disco, pues tiene un sodio muy similar a lo que venían desarrollando antes del Dark Side of the Moon, un periodo liderado por el tecladista; y sea dicho de paso en estructura se asemeja bastante al Broken China, el último disco de Richard Wright. 


Olvidamos con mucha facilidad el rol fundamental que tuvo Wright en la construcción y consolidación del sonido. Fue una pieza clave en todos esos años de búsqueda y de transición. Para el 76, Wright no participa del proceso creativo porque de las canciones que entraron en el Animals, dos de ellas fueron trabajadas durante la gira del Dark Side of the Moon, las otras dos las compuso Waters para cerrar el concepto. De cualquier forma el trabajo de los teclados es excepcional y no podemos desmerecer el papel de Wright ni el de Mason en ese disco. Para las sesiones del The Wall, la situación había cambiado; Waters toma el control del proyecto y la relación con los otros miembros se degrada considerablemente. Era su idea y a su juicio la banda no estaba colaborando lo suficiente como para adjudicarse derechos por regalías. No dudó en reemplazar a Gilmour ni a Mason y a Wright lo despidió. Fue el quiebre definitivo; no cabe duda que Waters actúo como un cretino. El bajista quiso demostrar que él era Pink Floyd y fracasó en el intento, porque esa máquina colosal siempre fue una banda. Mason explica muy bien, el ambiente de odio que generó Waters, como quiso destruirlos y cómo intentaron reconstruirse. Con el tiempo Waters quiso hacer las paces, fue su error después de todo, pero el daño ya estaba hecho y jamás pudo enmendarlo. 


Volver a los estadios y al espectáculo grandilocuente y soberbio, no es una meta para David Gilmour, pero Waters lo asume sin remilgos. El 2006 se inicia la gira del Dark Side of the Moon y también se extiende por tres años; Waters prometió un DVD que nunca salió pero hay muy buenos bootlegs. No obstante, sigo teniendo la incómoda sensación que algo falta, algo no encaja, no me convencen las voces ni las guitarras. En contraposición la gira del On an Island tiene un sonido muy floydiano, además que tiene un set-list más interesante pues incorpora rarezas e incluso canciones de Syd Barrett. Los dos conciertos que dan testimonio de esa gira son excelentes y quedó para la posteridad la última interpretación de Echoes con Richard Wright. Nos dejamos seducir por la nostalgia, por todo lo que representa Pink Floyd, la banda más mítica de todos los tiempos y Roger Waters tuvo la osadía de llevarse al muro de gira. Al disponer de la tecnología y de los recursos montó un espectáculo fuera toda norma. Ahí el bajista superó por mucho cualquier espectáculo de Pink Floyd y de cualquier otra banda, es la obra más compleja jamás puesta en escena. 


Cabe señalar que en el DVD se pierden muchas cosas, proyecciones en los costados, en el techo, entre el público y sin embargo, el DVD es una gran experiencia visual, con una calidad de imagen impecable. No es un concierto, es más un documental pues la película sigue la travesía de Roger Waters, el rencuentro con la tumba de su padre, de su abuelo, el recuerdo desgarrador de las guerras mundiales, la batalla de Montecassino; el dolor que nunca pudo superar, es el vacío que lo incitó a construir el muro. Los traumas de la niñez, el fracaso amoroso, el peso de la industria y afrontar la cruda realidad: somos ladrillos en una pared y ante ello solo nos queda asumir la sentencia final: para ser libre hay que enfrentar el miedo. Es un disco depresivo y se acentúa con todas esas escenas de Roger Waters encarando, una vez más, la muerte de su padre. Y nosotros como espectadores contemplamos al mito, a la máquina, Pink Floyd en toda su magnificencia, en toda su arrogancia pero aun así sigue faltando la guitarra y la voz de David Gilmour. A veces lo único que nos hace falta es una lección de humildad.




martes, 6 de septiembre de 2016

FemMetal Fest


El FemMetal Fest es, uno de los más importantes espacios, para conocer y revalorizar la presencia femenina en las bandas actuales de Metal en la escena paceña, y además, su gran aporte a la producción nacional. Con una exitosa primera versión, este año no solo se cuenta con la participación de más bandas sino además varias otras invitadas quienes compartirán el escenario y por tanto ¡participarán más mujeres!. Todo esto no solo para ofrecer un evento de gran calidad como el evento predecesor sino además de mejorarlo, algo sin duda diferente a los conciertos que se realizan en la capital del Metal boliviano.

La primera versión del festival se realizó el 17 de septiembre de 2015, también en el Cine Teatro 6 de Agosto con la presencia de Mortsure, Libellula y Everfall, además de dos artistas invitadas: Patricia Jordán (Anima) y Julie Marín (Ciudad Líquida). La organización tenía como objetivos la máxima calidad tanto en sonido, como en iluminación y puesta en escena. 

FemMetal 2015
Tuve la oportunidad de contactarme con Paty Paredes, guitarrista de Libellula y Carmen Suarez, productora del evento. A quienes mandé una par de consultas:

Krups: ¿A qué se debe el éxito de la primera versión? Considerando que, primero, hace una década o más, eran aún pocos los espacios, los conciertos, las bandas, y segundo, a que las pocas mujeres vistas, tienen por lo general la posición de vocalistas.

Patricia: Una década es bastante tiempo pero hoy en día hay más mujeres que asumen otros roles además de vocalistas y en todos los géneros. Creo que el éxito se basó más que nada en la calidad de las bandas participantes, por coincidencia como parte la selección del Illimani Metal Fest 2015. Las tres bandas fueron seleccionadas para participar en las audiciones en vivo y dos de ellas calificaron para la presentación final. Creo que eso da cuenta de la calidad en la propuesta musical. Además que editaron discos o material en producción y videos en circulación, todas con calidad profesional y trayectoria establecida.

Paty Paredes (Libellula)
El segundo factor fue contar con una organización ordenada y la participación de una persona productora quien centralizó las gestiones de todos los aspectos. Esto es muy importante pues se necesita de experiencia en la gestión que muchas veces aunque se tenga una buena intención, los mismos artistas no lo pueden hacer de la misma forma.

Otros factores que contribuyeron también a que la primera versión fuera viable fueron las gestiones y apoyo de instancias estatales como el Ministerio de Culturas y Gobierno Municipal que permitieron los espacios y recursos que permitieron la promoción. También se realizaron gestiones de medios aliados y estrategias en redes para generar expectativa que ayudaron a la promoción del evento. No se puede dejar de lado a que la gente que también busca propuestas nuevas y realmente tiene mucho interés en acudir a estos espacios y logra asistir.  

Carmen: Yo creo que el éxito se debe a dos cosas: la primera es que es algo innovador, no hay festivales con estas características en nuestro país, ni en nuestra ciudad y es algo que el público demanda. Y segundo, debido a que el Femmetal Fest fue realizado teniendo muy presente la calidad  del evento: Excelentes técnicos de sonido e iluminación, una buena producción y trabajo con disciplina y seriedad de parte de las bandas participantes.

Si hablamos de los espacios, ahora como antes nos encontramos con pocos escenarios a los que podemos acceder, me refiero a espacios con las condiciones técnicas y espaciales para realizar un buen show, pero al final se trata de lucharla, de conseguir lo mejor para realizar el festival.  En cuanto a bandas, si hay varias, hay muchas y es por eso también que estamos apostando por realizar un festival de metal, ahora el hecho de que tenga la particularidad de las mujeres en el metal, es para incentivar su participación en una escena donde los hombres tienen muchísima más presencia. Y no se trata de excluir a los hombres, o de hacer un festival solo con mujeres, tanto en la primera versión del festival como en ésta segunda tenemos a talentosos músicos hombres que forman parte de las bandas lideradas por mujeres.
 
En uno de los ensayos con la productora Carmen Suarez
Krups: ¿Se planean futuras versiones? Y si fuera así, ¿qué se pretende innovar en ellas para ofrecer cada año un evento diferente al público? ¿No sería posible invitar bandas de otras ciudades del país que cuenten también con mujeres como integrantes?  

Patricia: Obviamente queremos que crezca, es un sueño de todas el tener un gran festival anual con bandas de todos los departamentos y también de otros países, sin embargo vamos paso a paso y viendo también los resultados de cada una de las versiones. Incluso hemos tenido ya solicitudes de otras bandas de Santa Cruz y Cochabamba; sin embargo está cuestión de los recursos y logística que implica esto y recordemos que este es un evento que si bien cuenta con apoyos, tampoco son subvenciones grandes que permitan estas gestiones. Por eso es tan importante que cada paso y cada versión del festival salga lo mejor posible y tenga repercusión y ganar base para luego gestionar otras subvenciones o fuentes de financiamiento que nos permitan realizar lo que soñamos hacer.


Volviendo a mi experiencia personal, comparto mucho de las opiniones de Paty y Carmen. Cuando empecé a asistir a conciertos, en los 90s allá en La Paz, eran escasas las chicas que habían. Me parece muy bien que esta edición del festival, muestre la participación de casi 20 artistas femeninas, sin desmerecer el talento de los chicos. Aunque lo que si quisiera ver más, es que las chicas se animen no solo a cantar (no digo que sea fácil, por cierto muchas han estudiado canto a diferencia de la mayoría de los vocalistas guturales), por eso rescato a aquellas que se han animado a subirse al escenario y tocar un instrumento. Sugiero también, que exploren otros estilos musicales más allá de los clásicos, para sus influencias a la hora de componer, creo sin duda eso sería una gran ventaja sobre la cantidad de bandas de solo chicos, que siguen haciendo lo mismo una y otra vez.

Finalmente, es para mí un gran gusto realizar este post no solo por el apoyo a nuestra escena, de la cual me siento muy parte. Si bien no toco en ninguna banda pero si soy melómana, gestora cultural y sobre todo metalera. De esta manera se demuestra, una vez más, que las mujeres siempre hemos estado presentes, quizás si como minoría pero comprometidas con nuestras metas.

La cita es sin duda imperdible este próximo 9 y 10 de septiembre en el Cine Teatro 6 de Agosto desde las 19:30 hrs. El día viernes se presentan: Black Row, Libellula y Mortsure. El día sábado: Misetra, Everfall y para cerrar el evento se realizará un set compartido con varios de los artistas. Además compartirán la escena invitadas como: Joaquina Revollo (Walkman), Ivón Marquez, Julia Ascarrunz (Blood Rituals, Carcinoma), Mikaela Rojas, Lissett Arandia (Infinite Sadness), Milagros Santalla, Aymarita Colque y Patricia Jordán.

Mayor información: facebook.com/femmetalfest


martes, 30 de agosto de 2016

Devil To Pay - A bend through space and time (2016)


Uno de los discos que me sorprendió. Esta es una banda procedente de Indiana, que ya cuenta con un extenso recorrido, siendo este su quinto disco.

Este disco, tiene una energía especial. Es una mezcla de varios estilos que se condensan en una amalgama bastante singular. Por momentos es heavy metal, por momentos stoner o sludge e incluso tiene tintes alternativos de los noventa, que en algo me recordaron a Candlebox o a Pearl Jam.

En cuanto a la parte sludge, es bastante fiel a bandas como Mastodon, incluso en la voz que nos recuerda mucho al tono del Troy Sanders; va en esa línea pero me animaría a decir que es hasta mejor vocal. También me recuerda en algo a Anciient, creo que también por la estructura musical y por el tono de la voz.

Conserva una onda medio sureña aunque en versión más limpia y menos densa, que fácilmente nos puede recordar a Down o a Corrosion of Conformity

Como verán, una mezcla extraña en cuanto a influencias, pero este disco suena así. En resumen, creo que simplemente esto se trata de rock pesado.

Un excelente disco, que te va atrapando con cada escuchada. Un disco pesado, pero muy variado y eso es lo que le da el gusto. La calidad de los músicos es tan buena, que uno realmente vive y siente la música. Un disco que en cierta manera te transporta a los 90, pero con un sonido más contemporáneo. Candidato al top de este año.


viernes, 26 de agosto de 2016

Hammers of Misfortune – Dead Revolution (2016)


Hammers of Misfortune, es una banda que con cada uno de sus músicos, liderados por el gran  John Cobbett, gran guitarrista con pasado y actualidad en bandas como Vhol, Ludicra, Slough Feg y GWAR; ha logrado consolidar un sonido completamente definido y característico con cada uno de sus trabajos; con una amplia gama de influencias, que van desde Pink Floyd, Deep Purple, Thin Lizzy, Rainbow, hasta Iron Maiden, Merciful Fate y Manilla Road, y agregándole una excelente dosis de rock progresivo de los 70’s esta banda se erige hoy en día como una de las más importantes y respetadas dentro de su género y una de mis favoritas en general.

Muy al estilo de los anteriores trabajos de la banda, y principalmente del “17th Street” del 2011, este “Dead Revolution”, cuenta con canciones épicas que demuestran el poder de los Hammers, The Velvet Inquisition, Dead Revolution, The Precipice (Waiting for the Crash…), Here Comes the Sky, y la Days of 49’ se construyen únicamente con experiencia, donde cada uno de los instrumentos se ensamblan a gusto, como pocas bandas logran hacerlo.


Esta ‘revolución muerta’, es uno de los discos más oscuros y agresivos de la banda, no solo en cuanto a las melodías, acordes y ritmos, sino también en cuanto a las letras y el discurso; si bien los Hammers habían sido grandes exponentes de temas más emocionales, para este su sexto álbum, y como también se evidencia en la excelente portada del disco, nos habla de tiempos futuros, que no pintan nada bien…  sobre la gentrificación como ese cambio en las condiciones sociales de zonas urbanas, y el desplazamiento con el que originalmente se asociaba a este proceso de regeneración social, el cual ha sido sumamente cuestionado porque determina que la movilidad de los segmentos más pobres no está asociada a los cambios en el tejido urbano, debido principalmente al dominio de las corporaciones: “The better world you were trying to build is / Laughing in your face” dicen, mostrando su enojo, en esta visión socio-política de la situación en su natal San Francisco. 

Riffs sólidos, rápidos y melodiosos combinados con teclas que evocan pasados, voces emotivas y ritmos precisos, logran unirse en canciones orgánicas y de vibra libre, con la progresión como motor y detalles que aparecen con cada escuchada envuelven la mencionada temática del disco como sólo lo saben hacer los Hammers. 

Uno de los mejores discos del año para mí, mientras Cobbett y compañía continúan expandiendo su arte progresivo.  Muy recomendado.





martes, 23 de agosto de 2016

Mare Cognitum & Aureole - Resonance Crimson Void (Split) (2016)


Mare Cognitum, es un proyecto procedente de California, formado por Jacob Buczarski, quien obviamente se hace cargo de todos los instrumentos y voces.

Las dos canciones que forman parte de este Resonance: Crimson Abyss, son básicamente un black atmosférico, casi espacial. Ambas canciones están muy bien trabajadas. Concisas, duras e intensas por momentos, pero en general sumamente melódicas. En cuanto a las voces, existe una alternancia entre las típicas voces chillonas y otras más guturales. Es el tipo de black metal que uno disfruta escuchando, es esa especie de saturación que termina adormeciéndote. Dos canciones excelentes de buen black. 

Por su parte, Aureole es otro proyecto gringo un tanto más desconocido, ya que se desconoce su procedencia y solo tenemos la referencia que está formado por M.S. quien interpreta todos los instrumentos.

Resonance: Void Obsidian, esta compuesto por dos temas que van por la línea de las dos anteriores, pero es aún más atmosférico, incluso diría que tienen mayor profundidad. Se nota que en cierta manera están un poco más trabajadas, precisamente en la ambientación de las canciones, que van creando de a poco el ambiente propicio para meternos de lleno en un black metal más crudo. Son todo un viaje por el oscuro cosmos.

En síntesis, este Split es una buena dosis de black metal espacial. Una excelente muestra de las nuevas tendencias del black metal Norteamericano. Y ojo, un anticipo al próximo disco de Mare Cognitum.





sábado, 20 de agosto de 2016

Recomendaciones - La vanguardia del Black

Vukari – Divination (2016)


De la conocida movida de Chicago, fértil al momento de producir bandas revolucionarias, llega el segundo disco de este grupo de black atmosférico. Si en el anterior esfuerzo ya se evidenciaban elementos fuera de lo común, este disco lo lleva a otro nivel pues incorpora mucho de post y como bien lo mencionaba el Sebas tiene algo de Isis; sin dejar de ser black es un disco muy melódico. De hecho esa combinación entre la furia, la atmósfera y lo melódico está muy bien lograda; genera un sonido muy propio aunque también ligado a una escena blackera muy estadounidense, Deafheaven gravita en la misma esfera, aunque es una banda más controvertida. Vukari, creo que se ganó un lugar en el podio de las bandas más interesantes de la escena de los años 2010.  Y este disco es uno de los mejores del año, uno de los que más he disfrutado, sobre todo porque me sorprendió; me gusta la música que innova, que rompe los moldes pero también me gusta el black y la tempestad que desata. Este disco combina muy bien ambas vertientes, sin caer en ese lado hípster que se le impugna tanto a Deafheaven. En todo caso, Vukari merece mayor atención porque están desarrollando un sonido, están realmente emergiendo como banda y creo que es importante señalarlo.       


The Night Watch – Boundaries (2016) 


Es una canción, un disco y un concepto; es más que arriesgado sacar un disco de treinta y seis minutos con una sola canción; Pink Floyd lo hubiera hecho de no ser por la restricción de los dos lados en el vinilo, los Floyd nunca dudaron en tomar riesgos; sea dicho de paso The Whirlwind, el tercer disco de Transatlantic, técnicamente es una sola canción de setenta y siete minutos, aunque dividida en varias secciones. Boundaries también tiene diferentes secciones y lo que predomina es el violín, el instrumento del diablo, desde el mito de Paganini. El rock y el metal progresivo nunca dudaron en ser arrogantes; este cuarteto de Ottawa toma para sí ese legado, algunos lo sitúan más cerca del black/folk y otros del rock simple y llanamente; es el eterno problema con las etiquetas, The Night Watch no encaja en ninguna de esos moldes, tiene demasiadas influencias musicales como para ser  categorizada sin caer en la caricatura. Y justamente el título del disco/canción lo ejemplifica muy bien: límites, no hay límites para la música.  

Es un disco que realmente me eriza la piel, de lo mejor que he escuchado en un buen tiempo, tal vez desde el 2012 cuando salió el primer disco de Ne Obliviscaris que me dejó francamente pasmado y The Night Watch entra en ese mismo terreno. Por cierto el nombre de la banda es también el nombre de un disco en vivo de King Crimson; con eso creo que el panorama queda bastante claro.

Krallice – Hyperion (2016)


Esta es una banda que me impresiona mucho, también bastante controvertida pues su música no es accesible en lo más mínimo. Es un estilo único y cada disco es una experiencia casi sobrenatural y extenuante, por ser una avalancha de sonidos, de atmósferas y de brutalidad; no se parece a ninguna banda que haya escuchado. Es un despliegue de  técnica y también de arrogancia, realmente es la vanguardia del black. Si el Ygg Huur nos tomó por sorpresa al ser la culminación de un proceso creativo bastante complejo, este EP propone una continuidad con el sonido que vienen trabajando desde hace ya casi una década; bueno son canciones que fueron desarrolladas el 2013, o tal vez antes, y creo que el eslabón perdido entre el Years Past Matter y el Ygg Huur, es parte de esa evolución. En retrospectiva, es un catálogo muy impresionante el que tiene esta banda; costa este de los Estados Unidos, más intelectual, encaja muy bien en el panorama cultural de Nueva York. Algo astral, bastante subterráneo y caótico; cinco discos y dos EP, es una de las bandas más extraordinarias de la escena blackera de los años 2000.