lunes, 20 de marzo de 2017

Tragedias en conciertos (Parte 2)

La multitud en Olavarria, show del Indio Solari 11 de Marzo 2017 (AFP)

Hace poco, el sábado 11 de abril una nueva tragedia sucedería en Argentina, donde se estiman que al menos 300 mil personas seguidoras de Carlos Alberto Solari más conocido como el Indio Solari, líder de la desaparecida banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, se reunieron en una nueva "misa ricotera" como las denominan, para ver a este famoso cantante y realizar "el pogo más grande del mundo". 

Resultado: al menos dos personas muertas, 25 heridas y cientas desaparecidas que poco a poco fueron apareciendo en medio de un caos indescriptible. Basta con imaginarse esa cantidad de gente para tener una idea del mar de personas que hubo. Fuentes señalan que existe una gran responsabilidad de parte de la organización por detrás de todo esto. 

Como antecedentes se tiene que el Indio Solari, de ya casi 70 años y enfermo, realiza pocos conciertos y desde siempre, de ahí todo el ritual de esperar por sus shows. En lugares alejados a la capital o de grandes ciudades, según dicen par obtener más fácilmente los permisos y así poder negociar esos contratos. Al ser lugares pequeños, las autoridades también lo ven como negocio. En este caso Olavarria es una ciudad a 350 km al sureste de la ciudad de Buenos Aires, con 111 mil habitantes (solo en el área metropolitana de Buenos Aires hay alrededor de 13 millones) y tuvo que prepararse para recibir tres veces sus población. El área habilitada para el show era para unas 155 mil personas, la productora dijo que vendería 180 mil entradas, pero se afirma que se vendieron al menos 200 mil.

A esto se suma la falta de control de las entradas, había tanta gente que la seguridad era insuficiente para controlar y por eso nadie sabe exactamente cuanta había, muchos entraron gratis por lo que se presume que las cifras oficiales podrían subir. Se critica mucho que ni la organización ni la ciudad estaban preparadas para esta gran masa, no solo fuera del recinto sino también dentro.

El Indio Solari es y será siempre un referente en la historia del rock argentino, ese es otro tema. Este post es una crítica a la organización de su concierto a la cual el está directamente ligado. Muchos critican que solo se aprovecha de la fama que su anterior banda consiguió y donde la justicia inclusive tiene denuncias por lavado de dinero y evasión impositiva.

En este descontrol, entre familias incluso con niños, drogas, alcohol, en medio de los pogos era fácil perderlo todo y quedar hasta desnudo y ser golpeado. Para luego pasar por la odisea de salir del recinto y perder el bus de vuelta a casa, deambular en los alrededores, con líneas de teléfonos saturadas, sin dinero ni para comer y siendo transportados de vuelta incluso por el estado. Muchos de los vecinos, creyendo en la oportunidad de hacer un poco de dinero, quedaron con deudas por todo lo sobrante porque era imposible en medio del caos vender o competir con una sobreoferta, al final acabaron ayudando a muchos de los visitantes. Si pudo haber acabado mucho peor y es probable que esta haya sido definitivamente la última misa ricotera.

Volvemos a las mismas conclusiones de la primera parte de este post. Una falta de responsabilidad por parte de todos los involucrados, incluido el público que en su desmedido fanatismo no es consciente que puede ser parte de una tragedia.


viernes, 17 de marzo de 2017

Review: Stoned from the Underground XVI

El Stoned from the Underground (SFTU) se ha convertido en uno de mis festivales favoritos y como mencioné en "Los mejores festivales de 2016", en esta segunda visita consecutiva constaté las grandes ventajas de los pequeños festivales. Para aquellos que no leyeron el preview o el review 2015 que escribí, donde además de muchos detalles y anécdotas, menciono ventajas como: no tener que levantarse muy temprano, hacer colas o perderse alguna banda a menos que uno decida hacerlo, es uno de los festivales más relajados que conozco, con el pequeño lago que lo rodea y que no deja de ser una tentación para refrescarse, los precios de la comida y cerveza son bastante accesibles como también la gente que lo visita y organiza.
Público en Suma
Quiero mencionar que poco antes de Pascua uno de los organizadores, el conocido Fred, publicó un muy interesante comunicado. Mencionaba que el tiempo invertido en agendar las bandas se estaba convirtiendo en una pesadilla. Fuera de lo acostumbrado en relación a los preparativos del festival como ser nuevas leyes, regulaciones u ordenes de todo tipo, para ellos es importante mantener el precio de las entradas (c/u 75 euros) y su decisión fue no incrementar los costos. Su crítica iba hacia los managers y los agentes de las bandas a quienes al parecer, no les interesa el festival o la escena y solo quieren obtener mayores ganancias. Debido a esto las confirmaciones se mantienen hasta el último momento para ver si las bandas consiguen otros shows o demandan un mayor cachet, por lo que la organización no puede seguir con sus planes de promoción sin saber que bandas confirmarán y eso generalmente va para las cabeceras de cartel. Me parece inteligente la decisión de que se ponga un límite a estas actitudes mientras se negocia conseguir las mejores bandas que además valoren el trabajo de la organización y obviamente a los fans que lo visitan para verlos!.

Público en Dampfmaschine
Bueno este año la diferencia fue llegar en bus, obviamente duró un poco más además de caminar otro tanto pero por suerte el verano no fue tan extremo como el año anterior y la fiesta empieza recién el jueves en la tarde por lo que hay el tiempo necesario para primero acomodarse. Dos bandas alemanas fueron las que iniciaron el festival en la pequeño escenario, el Party Tent, los doomeros de Breit y luego los Church of Mental Enlightment y su estilo retro de los 70s analógico. La fiesta siguió en el escenario principal con los ya conocidos Stoned Jesus de Ucrania, el bajista por motivos de salud no pudo tocar pero la banda tocó de todas formas, ya el año pasado cancelaron su show aquí en el SFTU debido a problemas con las visas. 

1000 Mods
Fue muy grato ver a los griegos de 1000 Mods tocar en un evento como este, la primera vez que los vi fue en un evento gratuito de la universidad donde demostraron una intensidad que muy pocas bandas logran en vivo pero aquí lastimosamente tuvieron algunos problemas técnicos. Por cierto, el escenario principal lleva siempre una bandera griega. Otra banda que esperaba nuevamente ver fue a los canadienses de Dopethrone, el frontman con yeso incluido, no dejó de lado su gran carisma para un show muy intenso, no solo parecía que había "metido la pata" sino que además en el camino hacia el festival la policía los revisó y les quitaron todo el "dope" que llevaban, no dejó de maldecirlos un par de veces. Por cierto, es sabido que en los festivales la gente tiende a consumir drogas no legales y la regulación en Alemania tiene parámetros para controlarlo. En principio es ilegal este consumo, pero dependiendo de las circunstancias y la cantidad, puede llegar a una simple advertencia y multa hasta obviamente la cárcel. La banda que cerró el primer día fueron los holandeses de Peter Pan Speedrock quienes con su enérgico rock'n'roll se despidían de los escenarios con el "Tour de Force" siendo este uno de esos shows. 
Dopethorne
El segundo día empezó un poco más temprano que el anterior, en el Main Stage tocaba The Order Of Israfel quienes reemplazaron a Gorilla Monsoon. Luego los suecos de Hypnos con un performance muy visual, por cierto muy fotogénicos y un fantástico rock setentero, se dice que son los próximos Graveyard. Siguieron los españoles de Toundra quienes ya son conocidos en el ámbito de los festivales llevando por todo lado su rock progresivo instrumental y bastante conceptual. Los alemanes de Iron Walrus, son una banda relativamente nueva aunque con integrantes de otras bandas conocidas y un estilo doom sludge a lo Crowbar. El trio sueco, Kamchatka llegó con un pegajoso rock bluesero que transmitió todo ese feeling positivo a la audiencia y donde el bajista cambiaría de instrumento para tocar los teclados con uno de los puntos altos del festival, los Spiritual Beggars, donde la experiencia de sus estrellas heavy metaleras se juntan para desarrollar una poderosa banda stoner. 

Spiritual Beggars
Para cerrar esa noche no podría faltar otro ex-Kyuss, Brant Bjork con quien tuve la oportunidad al día siguiente, de tener una corta charla y aprovechar de que me autografíe una copia del documental "Lo Sound Desert" que cuenta la historia sobre los principios de la escena "desert rock" y como este género nace de la necesidad de unos jóvenes que buscan un escape creativo a su aburrimiento y se convierte luego en algo tan grande, incluso el SFTU forma parte de él. Había un pequeño stand donde se podía comprar el dvd y además la organización realizó una proyección del mismo, el día sábado por la noche en la Party Tent. 


El último día del festival empezaría más temprano, hoy no me perdería ninguna banda, en la carpa pequeña con los austriacos de Pastor, luego los muy divertidos alemanes de Dampfmaschine con un show muy salvaje y como su nombre lo indica, convirtieron el lugar en un verdadero sauna, siguieron sus compatriotas de Heat con una mezcla de rock rock setentero, blues y NWOBHM en el Main Stage.
Travelin Jack
Los también alemanes Travelin Jack con un show muy llamativo, esta banda liderada por una mujer y su Flying V no solo tienen una presencia casi teatral sino además una gran energía. Los ingleses de Witchsorrow demostraron que la juventud no es excusa para sonar como si hubieran salido de la ultratumba con un doom durísimo. Los daneses de Causa Sui con un rock psicodélico e inspirado en el Krautrock. Otra banda que me gustó mucho fueron los suecos de Suma, aunque tocaron relativamente temprano la intensidad de su doom/sludge literalmente te transportaba, muy recomendable. Los holandeses de Gomer Pyle son considerados pioneros en la escena stoner y este fue un esperado regreso a los escenarios luego de un par de años en silencio, hace unos meses atrás los había visto en el Freak Valley. 
Mother Tongue
Finalmente para cerrar el festival los norteamericanos de Mother Tongue, una banda alternativa que a lo largo de los años no tuvo el reconocimiento que merecía pero que tiene sin dudas una base leal de fans y shows extremadamente intensos que demuestran ese lazo. La multitud quedó tan entusiasta que nadie parecía querer ir a dormir asäi acabaron en el Party Tent hasta el amanecer. Queda muy claro que la organización trabaja arduamente cada año para ofrecer no solo un gran line up, sino además varias comodidades en el campamento y sus alrededores. A pesar de todo el trabajo que involucra negociar con las bandas, este año la cartelera está nuevamente de lujo!, por lo que espero con ansias ver bandas como Karma to Burn, All them Witches, Pentagram, Elder o Monolord.


Para ver el álbum completo de fotos aquí

 

viernes, 10 de marzo de 2017

Naked City – Torture Garden (1989)




No recuerdo muy bien cómo caí con este disco; es una de las grandes virtudes de la era en la cual vivimos, podemos descubrir música variada y muy alejada de lo que solemos escuchar. Hace veinte años, conocía diez bandas y ese era todo mi horizonte musical. Hoy en día tengo la posibilidad de explorar cientos de bandas, y me siento muy agradecido por ello. 

Naked City, banda pionera de la propia vanguardia, es una mezcla caótica de diferentes estilos y géneros combinados con una violencia que la sitúa en el espectro del metal. Fundada en 1988 por el prolijo saxofonista John Zorn, con la idea de explorar los límites de la composición y la improvisación. Torture Garden lleva bien su nombre, pues podría provocar una apoplejía en quien lo escucha. Es simple y llana brutalidad sonora, frenética e inicua; el disco tiene 42 canciones y la más larga dura poco más de un minuto. Jazzcore, mezcla la forma libre del jazz con la fuerza bruta del punk más despiadado y salvaje. Esa manera de mezclar estilos era única en ese momento, nadie tuvo la desfachatez de hacerlo con tal alevosía. Luego se volvería un lugar común. 


Si bien los discos se parecen bastante entre sí, son una experiencia fuera de todo rango musical, lleva a la vanguardia hasta el vértice de lo absurdo de una manera brillante y única. Ese sonido demencial es casi una tortura física. Muchas bandas han reproducido ese enfoque, pero Naked City se sitúa en los orígenes despiadados e inclementes de esa maraña colosal de sonidos y estilos. Es un terreno musical muy escabroso, y no es fácil adentrarse en las profundidades de la locura hecha música; considero que es una experiencia necesaria, de cuando en cuando hay que bajar a las profundidades del infierno, uno regresa más sabio y sereno. 

Recomendado para todas las personas que disfrutan de la violencia psicótica y es un buen punto de entrada a la vasta discografía de Zorn. 



martes, 7 de marzo de 2017

GOLD – Optimist (Max, Invited guest author)

(Ván Records, 24 February 2017) - 39’ 33’’

GOLD are back, and with loving force! I first stumbled across this jewel of a band when they released their debut ‘Interbellum’ in 2012 – back then, I was quick to judge them as yet another female fronted retro band the world didn’t need, and neither had the ‘including ex-members of THE DEVIL’S BLOOD’ boost made them any more interesting to me (although, admittedly, the release has grown on me since, as I know now what to look for in that band). Wrapped and cast aside somewhere in the dustier areas of my brain, it took until a year ago (almost to the day) for me to rediscover them, when a friend’s band (FUZZBRIDE – go check them out, their brilliant EP should be out on Bandcamp any day now!) was supporting them at a local show at Hafenklang in Hamburg. So, planning to head there anyway I decided to give their then-latest album ‘No Image’ a spin – and was completely and utterly blown away. 

But this review is about the here and now and not the past, and ‘Optimist’ is just as good (if not better) than ‘No Image’. The key trademarks established on the predecessor are still there – a driving bass and minimalist yet effective drum lines build the foundation on which the manifold layers of distorted, tweaked, tender, whirring, and heavy guitar layers thrive and bloom and entangle with Milena’s ever so distant-yet-intimate vocals. What sounds like a simple recipe is ultimately more complex than what one is used to. Yes, buzzwords and genre descriptions such as post/dark/indie indeed come to mind, but there is much more to it. If there is one band which could bring fans of Burzum and QoTSA together, it would be GOLD – all that while sounding like neither. 
‘Optimist’ starts bleak and slow, and the first track ‘You Too Must Die’ stands in strong contrast to the album title. Opening with the words “binge-watching the world collapse” in Milena’s vulnerable voice, it reveals another quality of GOLD – being not only musically but contextually relevant in a world divided between hate-mongering and escapism. ‘Summer Thunder’ slightly picks up the pace while contrasting Milena’s now more confident voice with a subtle desert vibe to the guitars. Are we getting slightly optimistic here? Hell no. This song is still deeply drenched in melancholia, although maybe a little more determined. ‘White Noise’ is a turning point, and sadness inevitably turns into madness, all conveyed through Milena’s lyrics and vocals, while the band slowly grooves towards the abyss. The fall is deep, and so ‘Teenage Lust’ demonstrates how it sounds when you’ve hit rock bottom. The absence of drums in this down tempo depressive episode makes the beginning of ‘No Shadow’ all the more powerful. The nadir is overcome, the tempo is fast, the lead guitar cuts, and suddenly Milena sounds stronger than ever – until ‘I Do My Own Stunts” suddenly turns resignation into confidence! If I had to pick one, this would probably my favourite and, with its 80s-vibe in the chorus, will certainly be played right after some BEASTMILK-song at my next DJ session. What follows is a two-minute battle cry to do just one thing – to not be an asshole in a world full of assholes, to ‘Be Good’ and to “stick to your guns and hold on tight”. Suddenly, we look back and see that we’re out of the dark valley – albeit an easy accomplishment as Milena, against a backdrop of almost-heavy-metal, nearly cheerfully sings ‘Come With Me”. Before we know, this record has taken an optimistic turn one would have never assumed after the first couple of songs. Even the closer ‘Tear’, with its downtempo melancholia and Milena’s voice reaching into new depths, cannot quench the ambivalent mood between sadness and hope, and takes this journey to a beautiful end.


Make no mistake – if you are into metal and nothing else, you will probably not like this. If you are a little open-minded, though, and care about music, you should definitely give ‘Optimist’ a chance. Despite being clearly centred around Milena’s voice, the guitars and rhythmic section have a lot to offer and the compositions and performance are totally on point. It is a sad yet warm album, totally fitting the dark era it was released in, although I hardly doubt that it will age well. On top of that, GOLD accomplish the rare feat of avoiding the many clichés around that genre. They are neither your typical leather-clad rock band nor pretentious owl-and-deer-hipsters. They just write beautiful music with a message, and you should listen to it.

viernes, 3 de marzo de 2017

King Woman – Created in the Image of Suffering (2017)


King Woman, banda californiana liderados por la carismática Kristina Esfandiari, acaba de lanzar su álbum debut, el cual desborda melodías lentas y melancólicas mientras se pregona las suertes del mundo con una capacidad hipnótica en tanto sus tres compañeros de banda van desplegando la música de la manera más pesada y lenta posible, tanto así que a ratos este doom roza el drone y el shoegaze al mismo tiempo, sin complicaciones y de manera bastante natural. 

“Created in the Image of Suffering” es un disco que con sus 8 canciones decide seguir expandiendo los horizontes del doom (aunque esto parezca sumamente difícil) añadiendo al estilo creado por los Sabbath, elementos de bandas como Mazy Star, Chelsea Wolfe, Slowdive y demás exponentes, mientras las paredes de distorsión y la base rítmica machacan sin tantos frenos.

A lo largo del disco, queda claro que la joya es Esfandiari, es ella quien además de escribir todas las letras, y cantar de manera fantasmal, narcotizada y perfecta, hace que el disco se vaya envolviendo en un halo denso y ensueño. 


Definitivamente es un disco que requiere tiempo, que no es para todos, pero que con repetidas tocadas uno va encontrando los detalles que tan fácil se pasan al principio y que hacen de este disco, uno de los mejores en lo que va del año.  Kristina y compañía demandan atención, paciencia y tiempo, pero para aquel escucha que tenga lo solicitado, la recompensa será magistral.

lunes, 13 de febrero de 2017

Breves recomendaciones I

Para esta primera entrega de las breves recomendaciones del año, tengo para compartir estos cinco álbumes dispares que evocan distintos subgéneros musicales donde cada uno, con muchos más pros que contras, poco a poco irán trepando y asentándose en el año.

Ever Circling Wolves - Of Woe Or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Gloom (2017)


Con una mezcla no tan convencional de death y doom; Esta banda finesa acaba de lanzar su nuevo disco plagado de partes lentas pero con mucha melodía, voces guturales y limpias que acompañan la cadencia y las progresiones de las canciones de manera serena. Un excelente disco.


Ognemöt – Vol. 1 (2017)


Debut de esta colaboración de músicos que vienen de Suecia y Estonia, muy en la línea de los grandes Martyrdod, y con esa mezcla de crust, punk y black que derrocha energía pura sin reducir la marcha en ningún momento. De las cosas que más me gustan de este tipo de género, las melodías de las guitarras y la velocidad de las canciones, y en este disco se puede encontrar mucho de ello.


Nidingr – The High Heat Licks Against Heaven (2017)


Esta banda, que data de mediados de los noventas y que cuenta como principal miembro de la banda a Teloch (Mayhem, The Konsortium, Teeth and Thorns, etc.) ha logrado sacar a la fecha 4 discos, de los cuales este es el primero al cual le doy una seria escuchada, principalmente gracias a que uno de los invitados es el Garm en la canción Ash Yggdrasil. El disco, es una mezcla de black (como raíz principal), death (como elementos incorporados) y que experimenta en algunos pasajes, logrando una atmósfera específica para el sonido del disco.     


The Ominous Circle - Appaling Ascension (2017)


Death Metal del sucio y denso a primera escuchada, pero a medida que las canciones van avanzando, se van notando detalles y elementos incluso blackeros que hacen de este debut de los lusitanos The Ominous Circle, un excelente disco.  Cada uno de los músicos, sabe exactamente su función, que sin ser los más rápidos ni los más lentos, llegan a una velocidad precisa para desplegar oscuridad y pesadez muy en la vena de los poderosos Dead Congregation. Recomendado para quienes gusten de este tipo de death.


Kairon; IRSE! – Ruination (2017)


Otra banda finesa que con una mezcla prodigiosa de rock progresivo, psicodélico, shoegaze,  funk y hasta detalles de jazz que siempre se orienta a los años setentas, y que acaba de sacar una obra maestra de segundo disco.  Un disco que simplemente invita a viajar.





miércoles, 8 de febrero de 2017

Review: Freak Valley V


A fines de mayo del 2016, visité por segundo año consecutivo el Freak Valley Festival. Nuevamente las entradas se agotaron rápidamente lo que aseguraba no solo la presencia de bandas de renombre sino además un público de aproximadamente 2500 personas ansioso de verlas. Bandas principalmente de la floreciente escena psychodelic o stoner y donde la mayoría utiliza al menos una de estas influencias, naturalmente muchas de ellas escandinavas.

Baby Woodrose
En el festival nada se deja al azar, por ejemplo destaca el diseño del espacio del stand de mercadería del festival por tener además artistas internacionales que ofrecen screenprints exclusivos de las bandas del festival. En las áreas de descanso se puede encontrar sofás, hamacas y incluso un par de columpios. Por primera vez los visitantes tenían acceso gratutito a Wi-Fi, esta red inalámbrica tiene la ventaja de que se puede pagar con una carga previa, implementada en el chip de pulsera, con lo cual se elimina el molesto cambio y pago con chips.

Dead Meadow
Como mencioné en mi post sobre los inicios del festival, es ya costumbre que el primer día es decir el jueves las bandas empiezan a tocar por la tarde. A excepción de la primer banda pude ver todas las demás, así se pasó la tarde con Villagers Of Ioannina City y un rock experimental con influencias griegas-orientales, White Hills de Estados Unidos y un fuzz rock. Los daneses de Baby Woodrose con su garage rock, son sin duda una de las bandas con mejor feeling de la escena actual, el frontman Lorenzo Woodrose toca hasta la última gota de sudor disponible. Los conocidos españoles de Toundra y su postrock, para finalmente dar paso a la banda cabecera del la noche Dead Meadow de Estados Unidos y su rock setentero con riffs a lo Black Sabbath y temas inspirados en Tolkien y Lovecraft.

Jeremy Irons & the Ratgang Malibus

El segundo día, los conciertos empiezan a medio día pero aproveché el caluroso clima mientras me preparaba para ver por primera vez a los suecos de Jeremy Irons & the Ratgang Malibus y su space rock muy ambientado al festival, no por nada su disco de 2015 estuvo entre uno de mis favoritos. Luego tocaron sus compatriotas de Spiders en este caso un hard/glam rock de los 70's. Siguieron los ingleses de Krissy Matthews Band con un blues rock y la virtuosidad de Krissy en la guitarra. Luego de una pausa para volver a ver a The Shrine y su psy violence rock'n roll que llevó incluso al frontman a tirarse entre la multitud al mejor estilo crowd surfing. Siguió Spidergawd de Noruega y su post-boogie para todos aquellos que amantes del rock'n roll. El headliner de la noche fueron los suecos de Graveyard con una perfecta interpretación donde no quedó duda que su experiencia habla sobre el escenario.

Graveyard
El tercer día auguraba otra intensa experiencia de música psicodélica, empezando relativamente temprano con los suecos de Snowy Dunes y su vintage rock al estilo 60's. Otro banda que destacar fue Black Lung de Estados Unidos con su doom rock, no me canso de ver esta banda en vivo por la calidad de sus músicos, logré conversar un poco con el baterista quien también toca en The Flying Eyes, una banda con mucho feeling. Después los italianos de Black Rainbows, los americanos de The Golden Grass y su Heavy/Country/Funk/Boggie/Freakbeat. Otra banda que disfrute bastante fue los veteranos del space rock, Farflung que logran un un ambiente propicio para moverse al ritmo de la música.

Black Rainbows
La banda más pesada del festival sin duda fueron los suecos de Monolord, una de mis favoritas de la escena actual. Luego los alemanes de Rotor con su rock instrumental e influencia space setentero que incluía también headbanging. Deseaba hace mucho ver a los noruegos de Lonely Kamel y su heavy blues, lo logré pero no completamente ya que para los 15 minutos de su set el cielo se caía y había la posibilidad que la organización tuviera que habilitar espacios para evacuar a la gente, la banda siguió con su show como buenos profesionales mientras muchos nos cubríamos de la tormenta. Por suerte para Elder, el clima mejoró un poco, la banda obviamente ayuda a entrar en calor y sigue subiendo las expectativas, cada vez tocan mejor! Luego se realizó un show sorpresa como festejo del quinto año del festival, en el pequeño escenario tocaron los locales de Bushfire y su heavy bluesrock acompañados de un show de fuego.

Orange Goblin
Así llegaba el final del festival y quienes más para destrozar el escenario como principal cabeza de cartel que los heavy metaleros de Orange Goblin, quienes no olvidaron de mencionar que este es su festival favorito en el mundo!. No cabe duda que este festival es un pequeño y honesto homenaje a la escena hippie de los 70, los Rock Freaks de Siegen sabe como hacerlo! Con bandas que rememoran esa eṕoca, es como viajar en el tiempo acompañados de bandas con claras tendencias actuales, la atmósfera es tal en todo sentido y uno disfruta de una amigable camaradería que se ha vuelto ya una visita anual obligada para muchos

White Hills
Spiders
Toundra
Black Lung
Monolord
Show de fuego Bushfire

Para ver el álbum completo con más de 200 de fotos, hacer click aquí.

lunes, 6 de febrero de 2017

Sepultura – Machine Messiah (2017)


No queda duda, que a principios de los 90, esta era la banda de thrash más imponente de la escena. Era la historia de un pequeño grupo brasilero que conquistó el mundo. Bestial Devastation realmente fue una brutalidad fuera de toda proporción, Schizophrenia con su colosal Inquisition Symphony marcaba una diferencia con cualquier banda de la época; Beneath the Remains y Arise, siguen siendo considerados de los mejores discos de metal. Había algo fuera de lo común en Sepultura, difícil definirlo o cuantificarlo. Chaos A.D., tiene un sonido más accesible, los introduce a otro público; era un viraje necesario. Roots, los aleja un poco más de la imagen que había construido y en los hechos es un disco muy raro. Cuando Max Cavalera se fue, pensé que era el final de la banda y el Against fue un disco bastante malo y Dereck Green no me pareció el mejor reemplazo. Pero Sepultura pudo renacer de sus cenizas y es una banda que nunca más volvió a contemplar con nostalgia su pasado, ellos continuaron su camino sin mirar atrás; algo que me parece bastante loable. Entre el Sepultura de ahora y el de antaño hay una gran diferencia. Son dos bandas muy diferentes, con sus virtudes y flaquezas. 

Machine Messiah, es un disco muy bien estructurado, plantea una progresión narrativa y una interesante diversidad musical; se inserta en el formato de los discos anteriores. De hecho, el Dante XXI fue el primer disco de Sepultura, de la era Green, que me pareció genial. Adaptar la Divina Comedia parecía una idea descabellada. No me sentía particularmente atraído por esta versión de la banda. Lo escuché con mucho escepticismo y realmente rebasó mis expectativas. Es poco probable que Sepultura saque un disco igual de brillante y poderoso que el Arise, pero han sacado discos muy interesantes; son conceptos muy sólidos y bien logrados, A-Lex, adaptación de la Naranja Mecánica; Kairos plantea una interesante reflexión sobre el tiempo; The Mediator Between Head and Hands Must Be the Heart, adaptación de Metrópolis. Es una banda ambiciosa y me gusta ese enfoque narrativo. Hoy en día las redes sociales y las pantallas que contemplamos boquiabiertos, se han convertido en el rostro parco de la pesadilla distópica; el control total del individuo. Qué decimos, qué hacemos, con quién lo hacemos; lo privado sometido a las leyes del mercado. Las redes sociales y el maravilloso mundo del internet, con sus memes tan bonitos y sus chistes oportunos y la inmensa cantidad de pornografía que almacena, nos mantienen adormecidos, controlados. Es la mejor herramienta de dominación. Gustosos hemos renunciado a nuestra privacidad para convertirnos en un producto que está a la venta. Aplaudimos una realidad facticia pues nos procura sosiego. 

Hemos construido monumentos a nuestro ego y no nos damos cuenta de nuestra profunda soledad; lo alejados que estamos los unos de los otros. En el mundo virtual se generan grandes arengas, críticas sagaces, pensamientos efusivos; pero todo eso se queda ahí. Muy pocas personas están dispuestas a pasar a la acción, a darle peso a sus palabras. Interactuamos más en el Facebook que en la vida real. Nos hemos convertido en personajes de ficción; viviendo en un mundo de ensueño que no tiene ninguna relación con la realidad. Somos fantasmas obnubilados por nuestros propios logros, por todo lo que pretendemos ser. Es una reflexión cruda, pero necesaria, pues necesitamos tomar una distancia crítica, algo que mucha gente ha olvidado. Creo que el disco de Sepultura propone eso y es lo que más me atrae hoy en día. La banda ha pasado por muchas cosas, por muchos cambios y, sin embargo, es claro que Sepultura no es una banda estancada como muchas otras; el caso más emblemático es el del Metallica, ellos siguen atrapados por el peso de su pasado, tratan de revivirlo e igualarlo y por ello están condenados a fracasar. Sepultura ha podido evolucionar y generar algo nuevo; Machine Messiah es un buen disco, suena muy bien y propone una reflexión interesante; es más de lo que muchas bandas han tratado de hacer estos últimos años.   



jueves, 2 de febrero de 2017

"Batushka + Arkona" - 17.01.17 Live Music Hall, Weiher


Como parte de la gira "European Pilgrimage Tour 2017 Part 1" hace poco asistí a la premier y único show en Alemania de la banda polaca Batushka que es relativamente una nueva banda dentro la escena y tocan una mezcla entre doom y black metal ortodoxo. Fue organizado por New Evil Music, quienes organizan muchos de los más brutales conciertos de black en la región a la cabeza de Christian, a quien doy las gracias por la oportunidad.

Arkona
Era una fría noche de invierno y los caminos por suerte no estaban tan peligrosos, llegué por primera vez a este lugar que era más amplio de lo que me imaginaba. La banda telonera, también polaca, Arkona y sus más de 20 años de carrera, presentaba al frontman Khorzon quien además de cantar en polaco tuvo la capacidad casi teatral para conectarse con el público. Tocaron un interesante old school black metal y tanto temas de su última producción "Lunaris" como de anteriores discos, recomendado el "Chaos.Ice.Fire".
 

Aunque el escenario estaba a buena altura para una mejor visión, en este caso no era lo suficientemente grande para el armado de toda la escenografía para Batushka y la banda que consta de ocho músicos! Tienen por cierto dos guitarras cada una de ocho cuerdas y además de tres personas en los cantos litúrgicos. Se habla mucho de su estética ortodoxa y todo el arsenal que despliegan en escenario: cráneos, velas de cera de abeja, cruces ortodoxas, incienso y un podio con la portada del disco (donde la Virgen María y su hijo tienen las caras sin rostro) para el frontman que viene a ser el "padre" en cuestión. La banda estaba lista para empezar la ceremonia, todos vestidos con hábitos pintados de mucha simbología y descalzos, así empezó la into de Yekteniya 1. La banda tocó en su integridad y de principio a fin su disco debut "Litourgiya" de 2015 y mismo que mencioné en mis descubrimientos de ese año.

Con una composición muy bien elaborada, una interacción precisa de los distintos instrumentos que conducen por un momento a un trance hipnótico y por otros a un ataque constante de blast beats y donde las guitarras suenan tan bajas que parecieran bajos distorsionados. Batushka te lleva a un viaje blasfemo donde irónicamente uno es parte de esta liturgia. Los temas al tener remarcado este concepto, son cada uno un capítulo intenso de la historia, por eso mismo al disco es mejor disfrutarlo como un todo. No se puede negar, que esos elementos son lo que sobresalen y ayudan a la banda a dar un ambiente a su música. Desde "la bendición del padre", las cenizas, las campanas, el agua bendita, etc.
 
El uso de elementos de una tradicional ceremonia religiosa de la iglesia ortodoxa eslava, han sido tema de discusiones más aún por el hecho de que las letras estén en ruso y que ellos son polacos. Incluso un par de conciertos de este tour, fueron prohibidos en Rusia y Belarus, siendo motivo no solo de comentarios religiosos sino además políticos. Pero ¿quién está detrás de Batushka? Como mencioné anteriormente, se sabe que pertenecen a bandas bastante conocidas, lo que habla de su experiencia. Creo incluso que pude reconocer a algunos e investigando un poco más ya se se filtraron algunos nombres. Como leí en una entrevista hecha a Кристофор, la mente creativa detrás de la banda y el responsable del bajo, guitarra, voces (¿quizás de Vader y Hehrm?):

"I heard that one priest analyzed the album thoroughly. I’m glad about that. I guess it triggered some emotions and he decided to confront them. It makes me really happy that the album exceeds the ranks of its «natural» listeners." (Hitkiller.com)
 

Para ver el álbum completo de fotos, pueden hacer click aquí.

lunes, 30 de enero de 2017

Kiss Rocks Vegas (2016)


Cuando salió este disco no le presté mucha atención, la banda suele decepcionarme con demasiada frecuencia, pero debo reconocer que el disco suena muy bien. Lo estoy redescubriendo y ahora me queda claro que este es uno de los mejores en vivos que tiene a banda y hay bastante de donde escoger. Kiss es una banda visual, es parte esencial del concepto y con los años el espectáculo se tornó colosal. La gira del Monster es de los espectáculos más impresionantes que he visto; es sin duda el mejor escenario y el mejor despliegue técnico que tiene Kiss. La banda está en muy buena forma, suena bien pese a que la voz de Paul Stanley se ha degradado considerablemente estos últimos años. Queda claro también, que Simmons y Stanley al fin tienen la banda ideal, con la que siempre soñaron: el sonido y la imagen clásica, pero sin Criss ni Frehley. Sigo pensando que Thayer y Singer deberían tener sus propios diseños, en Kiss nunca fueron cuatro personajes cuyos interpretes se podían reemplazar, eran cuatro individuos y los personajes son una extensión de la personalidad de cada uno. Me parece ofensivo que Thayer reproduzca los solos y los trucos escénicos de Frehley, hasta en la manera como se mueve, imita sus gestos. Singer tiene un estilo muy propio, en los 90 seguía los pasos de Carr, porque ese fue el instructivo, y los 2000 se le sugirió seguir los pasos de Criss. Pero, conserva su individualidad, Thayer parece un imitador y eso me incomoda. No obstante, este es el Kiss que mejor funciona y me gustaría que grabaran otro disco en estudio. 


Kiss tiene muchos en vivos, pero ninguno supera al legendario Alive !; además, algunas de esas grabaciones son decepcionantes porque tienen un sonido demasiado artificial como con el Alive III y el abortado Alive IV, The Millenium Concert. Por ello, este disco me dejó muy impresionado, porque restituye todo el poder del concierto. La calidad de la performance es excelente; podía haber entrado entre los mejores discos del año. La banda está en el mejor momento de su carrera y creo que era necesario dar testimonio de ello con un documento audiovisual de gran calidad, ello sin desmerecer el Rock the Nation, que en su momento también fue una sorpresa, el primer en vivo grabado con esta formación. 

Sin muchas sorpresas el set comienza con Detroit Rock City, usual en toda la gira del Monster; lo que sí resalta son las limitaciones vocales de Paul Stanley, pero la banda sigue dando un espectáculo extraordinario; el escenario, la calidad de la imagen, los trajes, el juego escénico, hasta lo que Gene Simmons anima a la audiencia, me dejó  con lágrimas en los ojos. Me trae demasiados recuerdos y me reconectó nuevamente con la banda; siempre voy a ser fan de Kiss.

Creatures of the Night es una de las sorpresas del set, rara vez interpretada en vivo desde a la gira del 93, hizo unas cuantas apariciones el 2004. Es una interesante adición al set y aquí también resalta la capacidad mimética de Tommy Thayer, pues reproduce con mucha fidelidad el solo de Bruce Kulick en el Alive III. Que la toquen en vivo no es una casualidad, los últimos 20 años Kiss ha vivido del legado de su prestigiosa carrera en los años 70, pero en los 80 también sacaron buenos discos y Creatures of the Night fácilmente está entre los cinco mejores discos de la banda. Me parece genial que recuperen parte de ese legado. 

Psycho Circus, canción epónima del esperado disco de regreso de la formación original que en los hechos fue solo un golpe de marketing; en ese disco Frehley participa en dos canciones y Criss en una. Es un fraude, Thayer ya era el guitarrista y lo tenían listo en caso que Frehley falle; la reunión fue todo un éxito, pero esa banda ya no funcionaba; Simmons y Stanley requieren sumisión absoluta y es por eso que la formación actual funciona muy bien, Thayer y Singer son buenos músicos, pero no tienen voz ni voto dentro de la banda. Con todo, esta canción se ha convertido en un clásico y vuelve al set con bastante frecuencia. 


Parasite, es una de las canciones más pesadas que tiene Kiss y de las mejores composiciones de Ace Frehley; de todos los músicos que pasaron por la banda, el guitarrista, es sin duda el más influyente, esa manera de tocar es única. Fue una pieza crucial para el desarrollo de la banda. Es una de mis canciones favoritas y es una canción que ha vuelto a ser parte del set regular de la banda y uno de los pilares en el desarrollo del metal.

War Machine, a lo largo de los 80 fue parte esencial del set, casi siempre antecedida o precedida del solo de Eric Carr. Después de la muerte del baterista, la dejaron de tocar y volvió de manera esporádica el 2004. Es la canción que cierra el Creatures of the Night, nadie diría que es una canción compuesta por Bryan Adams. Lo hizo para calar con el personaje de Gene Simmons y para darle un sonido más pesado a la banda. El disco llegó demasiado tarde, cuando ya habían perdido toda credibilidad y se hundió en las listas de ventas. Un dato interesante es que la voz de Gene Simmons suena bien, tiene una gran presencia escénica y sigue siendo impresionante que escupa fuego, resguardado en su armadura plateada. 

Tears are Falling, fue unos los hits que tuvo la banda en los 80, aunque rara vez la han interpretado en vivo; de hecho, fue una gran sorpresa que la incluyeran en el set el 2004. La banda no suele agregar rarezas. Otra canción que volvió sorpresivamente el 2010 fue Crazy Crazy Nights. De los 80 muy pocas cosas quedan, pero Kiss también sacó discos interesantes. Alguna vez Kulick se preguntó qué había sido de su legado, sus doce años en la banda que habían sido borrados sin misericordia. Es parte de la historia y no lo pueden negar; me gustaría escuchar más canciones de los 80 para equilibrar el set; no estaría mal que interpreten Fits Like a Glove o Young and Wasted, después de todo el Lick it Up es un gran disco y Kulick un gran guitarrista; el solo de Thayer lo imita hasta dónde puede.   

Deuce, clásico de los clásicos, es la canción que abrió los conciertos en toda la primera etapa de la banda, fue la canción con la cual Frehley hizo su audición y se ganó su lugar en la eternidad. Frehley también la toca en vivo pues considera que su aporte fue crucial para estructurar la canción y fue lo que esa banda necesitaba para lanzar su carrera. 


Lick it Up, igual de los grandes éxitos de la banda, inamovible desde la gira del 83. La única vez que salió del set fue cuando se embarcaron en el Alive/Worldwide Tour en 1996, la gira más exitosa de Kiss, por cierto. Volvió al set el 2000, y es muy raro escuchar a Frehley y Criss interpretarla. Esta versión que la vienen tocando, creo que desde el 2010, es la que más me gusta pues incorpora parte de Won’t Get Fooled Again en el puente, es un lindo tributo y de la mucha fuerza a una canción bastante aburrida. 

I Love it Loud, después de las canciones del Destroyer, el Creatures es el que está más representado en el set; es una canción que tocan con bastante frecuencia porque funciona muy bien en vivo. Faltó I Sitll Love You para tener un panorama completo del Creatures. Es una canción muy repetitiva, pero me encanta como suena la batería en la versión original; Carr tenía un sonido muy propio, fue una gran adición. Es una pena que lo hayan tratado tan mal, descartando sus composiciones y negándole su derecho a cantar. 

Hell or Hallelujah, la única canción del Monster y la única canción nueva que incorporan, lo que me parece una pena. El Sonic Boom y el Monster son discos muy buenos, después de todo. Habría sido interesante incluir, para la ocasión, Modern Day Delilah. Con eso habría estado muy feliz, pero no se puede tener todo en la vida. También faltó Outta This World, canción de Tommy Thayer y el habitual duelo entre guitarra y batería; Tommy solo cantó un verso en todo el concierto. 

God of Thunder, canción compuesta por Paul Stanley, valga la aclaración, como una suerte desafío lanzado por el bajista; curiosamente es la que mejor lo define: a modern day man of steel. Aquí la parte visual prevalece, es parte del ritual, el solo de bajo, la sangre, Simmons volando, es la glorificación del demonio; es el regalo de Stanley y el pilar de una sociedad muy lucrativa. Es una de mis canciones favoritas, sin duda la versión que más disfruto es la del Alive IV pues la orquesta realza el trabajo de la banda. 

Do You Love Me? en lo personal, nunca me ha gustado esta canción y el Destroyer no es un disco que escucho con frecuencia. Para la banda fue una experiencia necesaria pues ahí se convierten en músicos profesionales. El método Erzin, es algo que volvieron a reproducir cuando las circunstancias así lo exigieron; profesionalismo, ante todo, tratar a los músicos como trabajadores, recompensar la sumisión y la lealtad. La única versión que suelo tolerar de esta canción es la del Alive IV, pues nuevamente la orquesta le da un toque interesante. 


Love Gun, este disco sí me parece genial y es el que más escucho; aquí también lo visual prevalece, con Paul Stanley “volando” sobre el público. Siempre es un momento especial en el concierto. Considero que esta es una de las mejores canciones de Kiss, las guitarras y la voz se complementan muy bien; está muy bien construida y el solo de Frehley es excepcional. 

Black Diamond, si Kiss debería ser recordado por una canción debería ser por esta y no por I Was Made For Lovin’ You. El disco epónimo lo tenía todo para ser un hit, menos la producción, pues no reflejaba el poder de la banda en escena. Black Diamond es una pieza crucial en el set, generalmente anuncia el final del show. Creo que tenía trece años cuando vi un especial de Kiss, de esos que hacía la Obertura del Siglo XX, quedé muy impresionado por el juego escénico, cuando Frehley se arrodilla para ejecutar su solo, aquel que da paso a la sección instrumental. Un simple gesto, puede cambiar el curso de una canción. Si Singer es un mejor baterista que Criss, no es un mejor vocalista y creo que su principal error es tratar de sonar como Criss; pero lo interesante de esta versión es que incorporan los arreglos de su contraparte ochentera, siendo una variante muy interesante.

Shout It Out Loud; como muchas de las canciones de Kiss, esta es muy repetitiva, muy rara vez escucho la versión en estudio. Todo el set es un compilado de grandes éxitos, más centrado en los setentas con sus pequeños guiños a los ochentas. En los 90 Kiss prácticamente desapareció; y un disco que deberían recuperar es el Carnival of Souls. Del Destroyer, prácticamente todas las canciones han sido interpretadas en vivo, lo han explotado hasta el cansancio. En raras ocasiones han interpretado canciones de The Elder, pero nunca se han escuchado versiones en vivo del Carnival y creo que ya es tiempo, de incorporar al menos una canción al set, ahora que se cumplen 20 años. 

Rock and Roll all Nite, es la canción que suele cerrar casi todos los conciertos en casi todas las giras, infaltable y ritualístico, es también una de las características de la banda; sabemos en qué momento Simmons escupirá sangre, en qué momento Stanley romperá su guitarra. Es un espectáculo que conocemos, sin ninguna sorpresa y aun así quedamos satisfechos, aplaudiendo efusivamente y boquiabiertos. Es lo que ansiábamos y no fuimos decepcionados; el mismo Kiss de siempre, aunque más decaído con sus pelucas ridículas, ya con la vejez sobre los hombros. 



Es grandioso y, sin embargo, me deja esa impresión incómoda de estar viendo a una banda tributo que trata de reproducir hasta en los mínimos detalles a una banda que dominó el mundo hace ya 40 años. Pese a ello, es uno de los mejores conciertos que tiene la banda, es la paradoja que simboliza bien mi relación con un grupo que sin descaro confirma y reafirma su lado empresarial. 

El set acústico no es tan interesante, pues creo que nada podrá superar el impacto emocional y musical del Unplugged; la versión de Christine Sixteen es la más interesante, con un bonito juego vocal, y Love Her All I Can, rara vez interpretada en vivo y que también tiene su toque especial en su versión acústica.